ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Зеленый ломберный с Джокером. 1989. Холст, акрил, шпон, коллаж. 130 × 100

Владимир Немухин — участник Бульдозерной выставки, художник Лианозовской группы, новатор послевоенной абстракции. Ломберные столы с картами, наряду с суперслонами и бубновыми валетами, входят в число магистральных сюжетов и составляют ядро его творческого наследия. Представленный холст «Зеленый ломберный с Джокером» 1989 года относится к наиболее ценному, зрелому периоду творчества автора и обладает безусловным музейным масштабом — его высота составляет внушительные 130 см. К крупноформатным работам (более метра) Немухин относился с особым трепетом и изначально создавал их с прицелом на музейные пространства.

Карта Джокер — «хохмач» — это волшебная или «дикая» карта из французской колоды, которая может менять свою роль и неожиданным образом портить чужие расклады. Сама карта не старая: по некоторым данным, джокера придумали во время Гражданской войны в США, то есть в 1860‑х годах. Карту обычно иллюстрируют образом шута — это пришло от привычного «дурака» из карт таро. Но для Немухина это не догма. Его джокеры как минимум с 1970‑х годов имеют «лицо» в виде африканской маски или даже мольберта. Они выступают в разных амплуа. Чаще всего они сторожат медвежью шкуру. А в этот раз трикстер Джокер выглядывает из‑за излюбленного карточного ломберного стола.

Перед нами невероятно многодельная, тактильная и сложная вещь. Немухин виртуозно соединяет на одном холсте акрил, деревянный шпон и коллаж из игральных карт. Как отмечается в экспертном заключении Валерия Силаева, в основе композиции этой редчайшей работы лежит гениально найденная формула соединения карточных игровых раскладов с живописно‑пластическими приемами мастеров русского авангарда начала XX века. Живьем картина завораживает плотностью фактуры, где матовая гладь акрила контрастирует с теплыми древесными прожилками шпона и рельефными наслоениями карт. По мнению эксперта, именно эта композиция является близким и наиболее ранним вариантом знаменитой немухинской «Композиции с картами» 1991 года, находящейся в частном собрании в Германии.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Пень. 1960. Холст на картоне, масло. 70 × 50

Дмитрий Краснопевцев — новатор метафизического натюрморта, один из самых востребованных и дорогих художников советского послевоенного неофициального искусства. Представленная картина «Пень» 1960 года относится к рубежному, поворотному моменту в творческой биографии мастера. Именно в 1960 году он пересек Рубикон, разделяющий территорию яркого цвета и поле лаконичной, строгой палитры на грани гризайля. В левом верхнем углу холста стоит еще старая подпись автора — КРАСС, тогда как совсем скоро Краснопевцев начнет подписываться своей лаконичной, монограммной буквой К.

Для камерного, созерцательного творчества художника «Пень» — вещь довольно большая, ее размеры составляют 70 × 50 см. Выполненная маслом на холсте, наклеенном на картон, картина обладает убедительной выставочной и публикационной историей. Она участвовала как минимум в одной прижизненной выставке мастера в 1993 году и опубликована в каталоге. Кроме того, картина вошла в фундаментальную монографию Александра Ушакова «Краснопевцев», изданную в 2025 году (воспроизведена на стр. 121).

В этой работе Краснопевцев выступает не просто как живописец, а как философ материального мира, исследующий скрытую, таинственную жизнь обыденных предметов. Художник превращает древесный остов в монументальный, почти архитектурный объект. Трубчатые, изогнутые корни пня напоминают не то окаменевшие конструкции, не то элементы загадочных механизмов. В трактовке Краснопевцева природная форма очищается от случайных деталей, обретая вневременное, космическое звучание. Сложная нюансировка зеленовато‑серых и глубоких графитовых тонов создает ощущение абсолютной тишины и застывшего времени, что является визитной карточкой его индивидуального стиля. Живьем этот лаконичный колорит поражает своей плотностью и скульптурной осязаемостью.

СЕМИДЕСЯТНИКИ

КОНДУРОВ Александр Андреевич (1945) Александр Невский. 2010. Холст, см. т. 120 × 100

Александр Кондуров — лениградский семидесятник, монументалист, заслуженный художник России. Масштабное полотно «Александр Невский» 2010 года — это монументальное высказывание на стыке исторической памяти, религиозной традиции и современного пластического языка. В 2016 году картина экспонировалась на персональной выставке автора «Срезы культурного слоя» в Москве и опубликована в каталоге. Его мы подарим покупателю.

Представленное произведение решено с учетом строгой каноничной стилистики православной иконы, переосмысленной через призму модернистского коллажа. Лик благоверного князя Александра Невского собран из сложных, тектонических фрагментов, напоминающих древние срезы культурных пластов или расколотые скрижали. Подобно древнерусским образам, нимб святого выполнен с использованием рельефной металлизированной фактуры, виртуозно имитирующей старинное сусальное золото. Тонкие тональные переходы серебристо‑серых, охристых и акцентных киноварно‑красных плоскостей воссоздают колористический дух классической новгородской и псковской иконописи.

Живьем холст поражает своей сложной материальностью и тактильной осязаемостью. Кондуров использует изощренную смешанную технику: поверхность картины испещрена загадочными каллиграфическими письменами, напоминающими фрагменты берестяных грамот или уставных летописных сводов. Эти тексты, процарапанные по рельефному грунту, наслаиваются друг на друга, заставляя зрителя всматриваться вглубь живописной материи. Внушительный размер полотна — 120 × 100 см — сообщает композиции подлинное монументальное величие, превращая картину в мощный объект‑символ, способный держать вокруг себя пространство любого современного интерьера.

ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ВАСИЛЬЕВ Олег Владимирович (1931–2013) Три этюда. 1970–1990‑е. Картон, графитный карандаш, масло. 48,5 × 35

Олег Васильев — мощный концептуалист, художник Сретенской группы, друг и единомышленник Булатова и Кабакова. Само слово «концептуализм» он недолюбливал, считая, что оно отдает политической конфронтацией. Но по глубине художественной мысли и аналитическому подходу к живописи он вполне соответствовал этому направлению. В 1990 году Васильев эмигрировал в США, и, как иногда случается, долгое время его известность на Западе была выше, чем в России.

Художник очень редкий и очень дорогой. На пике рынка в 2008 году его концептуальная работа «Перед закатом» была продана на Сотбисе почти за миллион долларов. Наша этюдная композиция, выполненная маслом на картоне, много лет назад была подарена автором художнице Галине Ивановской. Подлинность произведения подтверждена экспертным заключением Валерия Силаева.

Эта работа представляет собой редкий документ творческой лаборатории мастера. Как отмечает эксперт, «Три этюда» относятся к ценнейшим рабочим материалам художника, наглядно раскрывающим его уникальный творческий метод. На одном пространстве картона объединены три разные живописные штудии, где в полной мере видна фирменная система красочной кладки Васильева — его характерные мелкие, почти пуантилистические мазки. Рассматривая работу живьем, можно проследить, как сложно и бережно художник набирал цвет, выстраивал объем предметов, работал с пространством и передавал тончайшие нюансы световоздушной среды. Графитный карандаш, деликатно проступающий сквозь масло, обнажает саму архитектонику замысла. Благодаря этой уникальной возможности заглянуть в процесс зарождения образов автора, вещь приобретает самостоятельную художественную ценность и, как подчеркивает эксперт, может иметь музейное значение.