ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Незаконченный пасьянс. 1967–68. Холст, масло. 83 × 100

«Незаконченный пасьянс» принадлежит к самому ценному и редкому периоду в творчестве лианозовца Владимира Немухина. Конец 1960-х — это время, когда все основные открытия сделаны, техника и технология отработаны, а сил и времени хватает на масштабные вещи — для вечности. Именно за картины такого уровня на пике цен 2007–2008 годов коллекционеры на русских торгах платили сотни тысяч долларов. Именно картина из этой серии до сих пор удерживает аукционный рекорд для творчества Немухина. В благословенном 2006 году очень похожий «Незаконченный пасьянс» (тоже метровый, но соседнего 1966 года) был продан на Сотбисе за 240 000 долларов.

Владимир Немухин — одна из ключевых фигур Лианозовской группы, единомышленник Оскара Рабина, друг и учитель Евгения Рухина. Он — участник Бульдозерной выставки и выставки в павильоне Пчеловодство. Немухин вошел в историю неофициального искусства как новатор живописи и скульптуры. В своих постмодернистских композициях он часто применял образ игральных карт. При этом для него они были лишь элементом пластического языка, выполняли эстетическую функцию, а не служили метафорой азарта.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Раки. 1960. Картон, масло. 49,5 × 33

«Раки» — натюрморт рубежного 1960 года, когда король метафизического натюрморта еще не погрузился в эстетику гризайлей. Художник уже вышел на эстетический лаконизм, довел живопись до графичности, но еще с удовольствием применяет яркие цвета. Да и в самом деле: ну какой там гризайль с вареными раками? Здесь же цвет и сложность формы — главное удовольствие художника.

Работа выполнена с большим мастерством, в характерных «Диминых цветах», как сказал знаток его творчества и составитель каталогов Александр Ушаков. Когда он смотрел — выразил готовность включить эту вещь в будущий дополненный каталог, близкий к резоне. Работа сопровождается экспертным заключением Валерия Силаева.

Краснопевцев — художник не от мира сего. Точнее, не от времени сего. Он словно специально игнорировал все то, что происходило за окном. Какая советская власть? Какие демонстрации? Нет. Покой, гармония, равновесие, дух ренессанса. А прокормиться можно рекламой и книжной графикой без компромиссов с совестью. Неслучайно в картинах Краснопевцева нет ни одного предмета, по которому можно установить место и время. Раки на такой тарелке могли подавать что в Москве 1960-х, что в Швеции 1560-х. Его картины позволяют зрителю в мгновение перенестись в любую эпоху. Подальше от сиюминутных переживаний.

ОРЛОВ Борис Константинович (1941) Союз четырех стихий. Три рисунка. Из серии «Социальная геральдика». Вариант 2. 1979. Бумага, гуашь, темпера, поталь. 30 × 41,5 (каждый)

В середине 1970-х Борис Орлов, Дмитрий Пригов и Ростислав Лебедев были единомышленниками в рамках одного из течений соц-арта, которое потом влилось в большую, мощную реку. В других течениях, напомним, были Косолапов, Соков и Комар с Меламидом. Чуть позже, в начале 1980-х, как пишет Орлов в своей автобиографической книге «Хронограф», он начал имперский проект и назначил себя главным имперским художником СССР. «С этого времени я ухожу от классического карнавального соц-арта. Я погружаюсь в аналитизм, исследую архетипы и архемодели искусства… В результате получился некий синтетический продукт». Дата 1979 на рисунках указывает, что они созданы как раз в переходный момент от карнавального соц-арта к синтетическому имперскому стилю. От других рисунков, что мы продавали, их отличает самая высокая сложность проработки. Орлов плотно кладет краску на лист, добавляет поталь, что придает рисункам увесистой скульптурности. Концепция триптиха строится на балансе четырех стихий: земли, воды, неба и огня. Земля (крестьянка с хлебом) жмет руку моряку (вода), пожарному (огонь) и женщине-пилоту (воздух). При этом огонь предусмотрительно не встречается с водой, а земля с небом. Интересно, что все рукопожатия происходят на фоне стилизованного дорожного знака «движение запрещено». И об этом авторском приеме можно порассуждать отдельно. Рисунки принадлежат к серии «Социальная геральдика». Одна из ее идей состоит в том, что личность становится вторичной по отношению к статусу. Ордена, медали и шевроны важнее лица. Поэтому часто на фигурах Орлова намеренно нет лиц. В нашем случае сделано исключение — лица есть. Впрочем, прорисованы они условно, без характеров, больше в декоративных целях. Художнику явно важнее детали формы на его героях и символы, которые характеризуют их амплуа.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Яблоко на стуле. 1977. Пластиковый бокс, бумага, смешанная техника, коллаж. 57 × 69

«Яблоко на стуле» — работа тонкоэстетическая по содержанию и алхимическая по форме. Купер разделил площадь картины на несколько слоев, заполнив воздух сэндвича предметами реального мира. Катушка от ниток, фрагменты бумаги, что-то еще… Прикрытые полупрозрачным целлулоидом, эти предметы отображаются с эффектом сфумато — любимым эффектом Купера. Время придало этой конструкции и иное звучание. Легкое перемещение предметов в сэндвиче создает эффект калейдоскопа. При любом значительном перемещении фон произведения немного меняется.

Купер 1977 года — художник новой эмиграции, использующий тот же словарь, что и в России — так называемый «романтический Купер» или «сюрреалистический Купер». Пройдет несколько лет, и художник переключится на поэзию вещей, наслаждаясь эстетикой простых следов времени. Сегодня романтический сюрреалистический Купер — это редкость. Он весь остался на Западе, и лишь усилиями коллекционеров и дилеров отдельные работы возвращаются в Москву.