ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ВУЛОХ Игорь Александрович (1938–2012) Синий пейзаж 3. 2008. Холст, акрил. 90 × 70

Работа «Синий пейзаж 3» относится к авторскому циклу, в котором Игорь Вулох развивал медитативный образ реки через ритм вертикальных линий и холодную палитру. Эта манера сближает его живопись с визуальной поэзией — неслучайно близким другом художника был поэт Геннадий Айги, с которым они создали ряд совместных изданий (например, сборники «Свечи во мгле...» и «Друг этих лет»).

Игорь Вулох — новатор абстрактного экспрессионизма, мастер медитативной условности. Как художник круга неофициального искусства, он занимал в нем обособленное место, не входя в большие неформальные объединения (Лианозовскую группу, группу Сретенского бульвара и другие). Вулох был одиночкой. Его творчество высоко ценил Георгий Костаки, а близкими друзьями были Анатолий Зверев и Владимир Яковлев.

Картина обладает значительной выставочной историей, включая ее участие в крупнейшей персональной выставке Вулоха в 2013 году в Московском музее современного искусства (ММОМА). Работа опубликована на странице 214 в каталоге, изданном к этой экспозиции. Сегодня произведения автора находятся в ведущих музейных и частных собраниях неофициального искусства.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Полнолуние. 1989. Оргалит, см. т. 122 × 122

«Полнолуние» — классика «панического реализма» Петра Беленка. Работа музейного формата (более метра по каждой стороне) с безупречным провенансом выполнена в узнаваемой авторской технике: на экспрессивный фон наклеены крошечные фигурки людей, вырезанные из газет и журналов.

Пётр Беленок начинал как официальный скульптор — специалист по лепке бюстов Ленина. Тяготясь этим нетворческим занятием, он бросил хлебную карьеру, переехал из провинции в Москву и влился в мир полузапретных выставок полуголодного художественного подполья. Творческой стихией Беленка стала борьба человека с непознанными силами, история противостояния добра и зла. В его работах можно найти много метафор и даже предсказаний — например, о Чернобыльской катастрофе. И это тоже неслучайно: художник родился всего в 15 километрах от Чернобыля, и тема глобальной катастрофы была для него почти личной.

1989 год — «лебединая песня» художника. Через два года Беленок умрет в бедности и полузабвении в рушащейся стране, которой еще долго было не до искусства. Слава главного пророка катастрофизма и признание как яркого новатора послевоенного искусства пришли к художнику лишь через 25 лет после смерти. Сегодня его произведения находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея и ведущих частных коллекциях.

НЕЙ Александр (1939) Музыкант. 2000‑е. Терракота. Высота 39 см. Основание 15,5 × 12

На основании скульптуры стоит подпись AlNEy — американский псевдоним Александра Удино‑Нежданова. Ленинградский художник, работавший в реставрационных мастерских Эрмитажа и на «Ленфильме», эмигрировал во Францию, а затем в США в 1972 году в возрасте 33 лет. С тех пор он живет и работает в Нью‑Йорке.

Скульптуры Нея — признанное украшение крупнейших коллекций нонконформизма. Его работы, словно сотканные из каменного кружева, создают обманчивое впечатление легкости и пустотелости. «Музыкант» — яркий пример этого авторского приема, хотя за ажурной поверхностью скрывается увесистая, плотная терракота.

Уникальный стиль художника с его бесконечной перфорацией и ритмом отверстий критики часто сравнивают с «биологической архитектурой» или древними артефактами. Сам мастер признавался, что эта кропотливая техника родилась из желания «укротить пространство» и впустить свет внутрь самой материи.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Композиция с картами. 1985. Бумага, дублированная на холст, графитный карандаш, восковая пастель, темпера. 79,5 × 70,4

«Композиция с картами» — вдохновенная работа 1985 года, созданная на излете советской эпохи. Историческими границами послевоенного неофициального искусства принято считать 1956–1988 годы: от ХХ съезда КПСС, развенчания культа личности и начала «оттепели» до принятия закона о кооперации, ознаменовавшего рождение рынка и конец многих запретов. Данная работа представляет собой своего рода итог поисков художника внутри этой закрытой системы.

Карты в творчестве Немухина — не атрибут игры, а глубокая философская метафора случая и судьбы, ставшая его личным «знаком». На протяжении десятилетий он виртуозно вписывал их в абстрактное пространство, превращая бытовой предмет в сакральный символ.

Представленная композиция долгие годы находилась в зарубежном собрании искусства шестидесятников. Позже она была дублирована на холст — Немухин сам любил и часто практиковал такую технику для придания бумажным работам монументальности. Подлинность произведения подтверждена экспертным заключением Валерия Силаева.

БОГОМОЛОВ Глеб Сергеевич (1933–2016) Из серии «Мафории». Композиция 905. 2000. Холст на картоне, масло, см. т. 53,5 × 48

Глеб Богомолов — классик питерского нонконформизма и ключевая фигура ленинградской «газаневской» культуры. Это движение получило название в честь легендарных выставок в ДК им. Газа (1974) и ДК «Невский» (1975). Если переводить «с питерского на московский», то по значимости и накалу страстей это прямой аналог наших выставок в павильонах «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ в 1975 году.

Представленная работа относится к знаменитому философско‑религиозному циклу «Мафории», над которым автор работал с середины 1990‑х годов. Мафорий (от греч. «наплечник») — это древний женский плат‑накидка, которую на Востоке женщины носили как часть верхней одежды. Накидка покрывала с головы до пят. В Византии мафорий почитался как священное одеяние Богородицы, и сегодня мы видим его на многих иконах. В трактовке Богомолова эти одежды превращаются в величественные, почти архитектурные символы человеческого присутствия.

Художник обладал уникальным даром «выращивать» холст: он наносил множество слоев краски и лака, создавая эффект древней фрески или античного артефакта. В «Композиции 905» этот прием позволяет добиться глубокого внутреннего свечения, превращая терракотовые и золотистые тона в сакральное пространство. Работы Глеба Богомолова сегодня украшают коллекции Русского музея, Третьяковской галереи и ведущих музеев мира (от Нью‑Йорка до Сеула).

ТИХОЕ ИСКУССТВО

ТЫШЛЕР Александр Григорьевич (1898–1980) Дама на скамейке. 1964. Холст, масло. 36 × 35

Тышлера называют одним из предтечей нонконформистов, их эстетическим камертоном. Сам художник принадлежит не ко второму авангарду, а скорее, к первому. В 1920‑х годах молодой авангардист‑проекционист Тышлер дружил с Климентом Редько, Маяковским, Мандельштамом. Позже он вошел в число основателей ОСТа — Общества станковистов, которое ориентировалось на современные западные течения в искусстве. А в 1930‑х Тышлер работал художником Государственного еврейского театра Михоэлса.

После разгрома авангардных объединений и начала эпохи соцреализма Тышлер не раз подвергался нападкам и критике за «возмутительный формализм». Но выдержал давление, проявил творческую несгибаемость и стал примером для целого поколения молодых художников. В его живописи оживает особый мир‑театр, где персонажи кажутся застывшими в мистическом представлении. Сложные конструкции в женских прическах — излюбленный прием мастера, вдохновленный детскими впечатлениями из родного Мелитополя. Наблюдая, как жившие там турки, армяне и караимы грациозно носят поклажу на головах, Тышлер перенес этот ритм в свои «архитектурные» образы.

Картина «Дама на скамейке» происходит из собрания художника‑шестидесятника Евгения Расторгуева. Подлинность подтверждена экспертным заключением Валерия Силаева.