ШЕДЕВРЫ

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Мастер и Маргарита. По рисунку 1975 года. Холст, масло. 105 × 90

Вячеслав Калинин, работа «Мастер и Маргарита». Рассказ одного из главных художников неофициального искусства об одном из главных запрещенных романов XX века. Метровый холст абсолютно музейного уровня.

Текст Булгакова, который мы сегодня знаем — это третья версия романа, сильно отличающаяся от рукописи «Сатана, или Великий Канцлер» и других уничтоженных Булгаковым вариантов. Его отредактировала и свела вдова писателя Елена Сергеевна Булгакова (урожденная Нюрнберг) — прототип Маргариты. Именно она сберегла и сохранила текст до светлых дней. Роман был закончен еще в 1936 году. Уже затравленный Булгаков не делал секрета, что пишет произведение о дьяволе. Поэтому есть свидетельства, что органы пытались изъять текст от греха подальше. Впервые «Мастера и Маргариту» решились опубликовать в 1966-м, с большими цензурными изъятиями. Ползущую «Контрреволюцию» покрывал Константин Симонов. Но в полном виде текст в СССР напечатали лишь в 1973 году, то есть оба раза при Брежневе. К тому времени нелегальный вариант без цензуры был издан во Франции.

«Маргариту» Елену Сергеевну вспоминают как женщину эффектную, умную, смелую, самоотверженную и не лишенную чувства юмора. Как-то заместитель Твардовского в «Новом мире» Владимир Лакшин позвонил ей рано утром по телефону с просьбой срочно прийти в издательство — есть возможность напечатать какую-то из вещей Булгакова. Он положил трубку, и через пятнадцать минут Елена Сергеевна появилась у него в кабинете — накрашенная и свежая. Тот оторопел: «Как же вы так быстро до меня добрались?» А та преспокойно: «На метле».

На картине Маргарита изображена на качелях, сюжет фантазийный, в романе напрямую такой сцены нет. Но раскосость глаз, чертовский огонек в глазах, лихость — да, все при ней.

Вячеслав Калинин — художник лианозовского круга. С начала 1960-х он ездил к Кропивницкому и Рабину, общался с кругом единомышленников. Первая встреча с официальным искусством закончилась скандалом. В 1962 году после показа картин Калинина на комиссии в МОСХе его исключили из Абрамцевского училища. Первую выставку в Курчатовском институте в 1963 году (физикам позволяли чуть больше) закрыли на второй день. В общем, нормальный путь самостоятельного художника в СССР. Комиссия МОСХа ведь вовремя его раскусила — «несоветский человек». Посмотрите, что он пишет? Каких-то забулдыг, потаскух, частокол бутылок. Где он этого насмотрелся? Да все просто. Это воспоминание о послевоенном голодном хулиганском детстве в Замоскворечье. С академиками и профессорами там было туговато. В 1975 году Калинин был в числе немногих участников выставки неофициальных художников в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ. Очередь к ней растянулась на сотни метров, народ стоял по четыре часа. Во времена горкома графиков на Малой Грузинской он выставлялся в составе «Семерки» — группы художников-новаторов, куда входили Немухин, Краснопевцев, Вечтомов, Плавинский, Харитонов.

Итак, Булгаков, Калинин, Мастер и Маргарита, музейный уровень, шедевр неофициального искусства.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Три белых цветка в вазе. 1970-е. Бумага, гуашь. 59 × 41

Яковлев стал художником вопреки многим обстоятельствам. Он был фактически инвалидом зрения. С молодости часто лежал в психбольницах. Работал ретушером в издательстве — корректировал фотографии. И тут фестиваль 1957 года! Событие в послесталинской Москве. Все страны в гости к нам. И передовые практики со всего мира. И искусство тут же — абстракционисты, ташисты, всё, что давно и крепко было запрещено в СССР. И Яковлев стал рисовать. Одно время ему помогал Ситников и другие художники. Но по факту он был самоучкой — гениальным интуитивистом.

Гуаши с цветами — самые узнаваемые и самые желанные сюжеты в творчестве Яковлева. В 1960-е годы они стоили 15 рублей. Во времена СССР цветы Яковлева были своего рода «паролями» — сигналами «свой-чужой» в московских квартирах. Их покупали представители научной интеллигенции, врачи, деятели искусств. Работы Яковлева стали символами неофициального искусства. И совершенно заслуженно именно гуашь с цветком украшает вторую обложку этапного двухтомника «Другое искусство. Москва 1956–1976».

ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

КАБАКОВ Илья Иосифович (1933) Альбом № 6 «Полетевший Комаров». Из цикла «10 персонажей» 1994. Альбом с литографиями. 32 листа. 51 × 35. Размер футляра 52 × 36 × 4,5

Первое: Илья Кабаков — самый дорогой из ныне живущих русских художников. Его картины не раз преодолевали на аукционах миллионную отметку. А текущий рекорд составляет 5,8 млн долл. за картину «Жук».

Второе: Кабаков — ключевая фигура в московском концептуализме, который считается главным нашим вкладом в мировую историю искусства во второй половине ХХ века.

Наконец, третье: сегодня Илья Кабаков — самый известный современный русский художник на Западе. Новатор «тотальной инсталляции». В России он тоже не оставляет людей равнодушными. Одни его ценят и уважают за совершенный интеллектуальный прорыв. А другие, как водится, ненавидят: считают лицемером, позорящим Россию своими инсталляциями с коммуналками, туалетами и мусором. Обычная для нас история. Кабаков, конечно, тоже хорош: не устает подливать масло в огонь своими резкими высказываниями и жесткими интервью. Но пройдет время и все встанет на свои места.

Перед нами сегодня каноническая вещь. Тиражный, но очень известный альбом «Полетевший Комаров». Подписной экземпляр номер 75. Тираж 200, но попробуй найди. Раньше формат альбомов был очень заметной частью концептуалистской культуры. В мастерской Кабакова собиралась публика, только из своих, перед ней перелистывались листы. Потом начиналось обсуждение. Тайно, по-заговорщически. Цена свободомыслия. Так было. И, казалось, эти времена прошли. Впрочем, ощущения, что эта культура больше не вернется, уже нет.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Многолуние. 1993. Оргалит, масло. 40 × 50

Идеальная картина Вечтомова для коллекции: с готовой экспертизой В. С. Силаева, яркая, характерная, с ценной темой.

Николай Вечтомов — лианозовец, участник горкомовской «семерки», фронтовик, новатор, из обоймы первых имен неофициального искусства. Его работы неизменно входят в число хитов наших аукционов.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Три рисунка. Ветка в графине с водой и камнями. Натюрморт с кувшином на пеньке. Свиток в кувшине. 10 × 7 (в свету, каждый). Размер каждой рамы 36,5 × 27,5

Дмитрий Краснопевцев — один из самых востребованных художников сегодня. И один из самых дорогих. Его живопись стоит больше 1,5 миллионов, и многим коллекционерам уже не по карману. А вот графика до сих пор демократична по цене.

Вот и сегодня: перед нами три вдохновенных рисунка. Подписных, но недорогих. Это своеобразные конструкции — идеи для гармонических сочетаний. Некоторые из подобных рисунков позже послужили эскизами для живописных композиций.

Краснопевцева собирали Рихтер, Костаки и многие другие. В начале 1960-х он пришел к очень самобытным метафизическим натюрмортам, которые невозможно спутать ни с какими другими. И объяснить словами эффект от них непросто. Когда Святослава Рихтера спросили, чем ему нравится Краснопевцев, он завертел шеей, попытавшись ослабить воротник, покраснел и наконец выпалил: «Не знаю… Красиво!» На самом деле именно так бывает, когда знаешь слишком много и объяснять потребуется долго. Скромные по палитре, натюрморты Краснопевцева неизменно поражают точно найденными равновесием и гармонией. В семидесятых Краснопевцев выставлялся с горкомовской «Семеркой», был участников нескольких исторических выставок, включая «Пчеловодство».

Рисунки получили устное подтверждение Александра Ушакова и Валерия Силаева. Исследовательская работа проведена, и покупателям мы в таких случаях советуем оформить письменное заключение.