ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Сосны. Николина Гора. 1968. Оргалит, масло. 76 × 68

Из книги «Анатолий Зверев в воспоминаниях современников» приходит на память резкий ответ художника на вопрос искусствоведа Андрея Ерофеева:

«— Часто тебя посещает вдохновение?
— Оно посетило меня всего один раз — летом 1968 года на даче на Николиной Горе. Тогда я за несколько дней сделал более шестидесяти работ. А до этого было только желание нарисовать как можно лучше».

Что это? Фигура речи? Случайный момент откровения? Скорее всего, Зверев лукавил или просто был не в лучшем настроении. Но в одно верится безоговорочно: подмосковная Николина Гора была для Зверева местом силы, где он был по‑настоящему счастлив. Летом 1968 года художник жил там на даче своей музы — Оксаны Михайловны Асеевой. Вдова поэта Николая Асеева, участница легендарного первого русского авангарда и одна из задиристых сестер Синяковых, она не просто вдохновляла Зверева, но и создавала все условия для творчества, обеспечивая красками и холстами.

В то лето Зверев написал очень необычный для себя цикл работ «Сосны» — серию трудоемких, сложных, тонких, тщательно прописанных пейзажей. Это был не рассчитанный на публику «живописный аттракцион», когда картина рождалась из виртуозных ударов кистью меньше, чем за минуту. Нет, это была кропотливая работа, неторопливая, с настроением. Неудивительно, что сегодня сосны 1968 года — это мечта многих коллекционеров. Долгое время другая работа, но именно из этого цикла удерживала звание самой дорогой в творчестве Зверева. Так что сегодня мы становимся свидетелями без преувеличения важного события на рынке нонконформистского искусства.

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939–2022) Бесы. 2007. Холст, масло. 47 × 71

Перед нами живописная загадка от знаменитого «певца Замоскворечья» Вячеслава Калинина. Откуда название «Бесы»? Пожалуй, стоило бы спросить об этом у близких друзей художника: они наверняка назвали бы конкретные имена и фамилии изображенных персонажей. Калинин обожал переносить на холсты реальных знакомых из московской богемы, примеряя на них самые разные сценические образы. Ну а в остальном все узнаваемо: герои дурачатся, показывают язык, выпивают, прикуривают сразу две папиросы от одной спички и слушают кассетный магнитофон Sony. Словом, у каждого свои «бесы».

Картина происходит из известного собрания Татьяны Флегонтовой и опубликована в большом каталоге «Вячеслав Калинин. Живопись, графика» 2014 года на странице 310.

Вячеслав Калинин — шестидесятник, участник Лианозовской группы, входящий в число первых имен неофициального послевоенного искусства. В его творчестве преобладают фантасмагорические сцены с участием московских пьяниц, драчунов, разгульных женщин. Интересно, что по первому образованию Калинин был столяром‑краснодеревщиком — отсюда эта его фирменная любовь к плотной, почти рельефной лепке объемов на картинах. В конце 1950‑х он попал в Лианозовский круг в барак Оскара Рабина, из‑за чего его мама очень сокрушалась и говорила сыну: «Посадят тебя, дурака, и передачу никто не принесет». К счастью, обошлось: Калинин стал одним из самых узнаваемых авторов своего поколения. Сюжет «Бесов» — классика для позднего творчества мастера.

РУХИН Евгений Львович (1943–1976) Питер — корюшка. 1972. Холст, левкас, масло, темпера, ПВА, эпоксидная смола. 71 × 47,4

Атмосферная ленинградская живопись, ставшая признанием автора в любви родному городу. Корюшка исторически входит в число неофициальных символов Санкт‑Петербурга. Триста лет назад она была кормилицей и спасительницей от голода: Пётр I поддержал ее вылов своим указом, чтобы рыбаки могли накормить растущее население и строителей города в сложный весенний период. Но это лишь один из смыслов. Знак рыбы — по‑гречески «ихтиос» — использовался у катакомбных христиан для шифрования имени «Иисус». А еще в этой работе есть и карточный символизм, возможно, не без влияния Владимира Немухина. Внимательные зрители увидят в картине силуэт карточной «шестерки», нижний ряд которой скрыт под водой.

Евгений Рухин — легенда ленинградского неофициального искусства, новатор послевоенной абстракции. По первому образованию он был геологом. Этот жизненный и профессиональный опыт сильно повлиял на его творческий метод: привычка искать древние окаменелости в слоях земли трансформировалась у Рухина в создание сложных, многослойных рельефных фактур из левкаса, клея ПВА и эпоксидной смолы. В экспертном заключении Валерия Силаева подчеркнуты художественная и коллекционная ценность и возможное музейное значение представленной работы. Эксперт также отмечает, что композиция «Питер — корюшка» стоит особняком в наследии Евгения Рухина: здесь художник практически отказывается от привычных для него готовых предметов (техники «реди‑мейд») и добивается «чистоты звука» через сложнейшую работу с цветом, пластикой холста и выразительностью самого живописного жеста.

Интерес к творчеству автора сегодня на пике: прямо сейчас в Московском музее современного искусства на Петровке, 25 с большим успехом проходит масштабная персональная выставка Евгения Рухина.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Игра в Петуха. 1998. Холст, акрил, коллаж. 80 × 60

Название этой динамичной композиции отсылает к старинной карточной забаве, зародившейся в России. «Игра в петуха» (или просто «Петух») представляет собой упрощенную разновидность французской «Мушки» и долгое время была популярна в народе благодаря простым правилам. Игроки скидывают карты и подсчитывают очки: оштрафованный получает лишние пять баллов и «кукарекает», а тот, у кого в итоге остается ноль, забирает банк. Оставшийся же с наибольшим количеством очков признается проигравшим — «петухом». Таким образом, Владимир Немухин не просто экспериментирует с образом, а буквально и очень остроумно визуализирует сюжет этой полузабытой игры.

Существует здесь и второй смысловой пласт — семиотика, значение петуха как символа. В разных культурах петух — фигура, отделяющая ночной хаос от дневного порядка. Он отпугивает нечистую силу, избавляет от ночных страхов. У греков петух — проводник света, птица Аполлона и Гелиоса.

О самой работе. Это холст. Не бумага на холсте, как часто делал Немухин, а именно полноценный холст. Сама работа чистая, стремительная, вдохновенная. И, что важно, сюжет незасмотренный: не типовая серия, а что‑то все‑таки новое. Интересно, что прообразом для этой композиции послужила акварель Владимира Немухина «Петух» 1979 года — автор вернулся к редкому образу спустя десятилетия. Работа сопровождается экспертизой Валерия Силаева, в которой подчеркнуто ее музейное значение. Коллекционерам точно понравится.

БЕЛЮТИН Элий Михайлович (1925–2012) Композиция. 1971. Холст, масло. 129 × 37,5

Перед нами вертикальная абстракция от основателя знаменитой студии «Новая реальность». Работа обладает безупречной историей: она была подарена автором и долгие годы находилась в зарубежном частном собрании. На обороте сохранилась дарственная надпись на русском языке, а также старая французская коллекционная наклейка.

В начале 1970‑х годов Белютин находился в самом расцвете творческих сил. Его композиции этого периода абстрактны по форме, но не беспредметны по сути. В основе белютинской педагогической системы лежала «теория всеобщей контактности», где каждый знак, штрих и цвет кодировали реальные человеческие эмоции, пластику человеческого тела или природные мотивы. Более того, художник часто брал за основу шедевры эпохи Возрождения и перекладывал их сюжеты на свой уникальный живописный язык — так что знатокам классического искусства будет интересно разгадывать скрытые в этом холсте ренессансные мотивы.

Элий Белютин — ключевая фигура послевоенного советского нонконформизма, теоретик и педагог‑новатор. Он не раз попадал в опалу у властей. Студийцы Белютина были участниками Таганской выставки и стали главными мишенями исторического разгрома Никитой Хрущёвым выставки «30 лет МОСХ» в Манеже в 1962 году, где генсек грубо раскритиковал современное искусство. После этого творчество художника на десятилетия ушло в подполье, переместившись на знаменитую дачу в Абрамцево.

Представленный лот — это редкий образец монументальной интерьерной живописи Белютина, выполненный в сложной, звучной колористической гамме. Настоящая музейная вещь с ярким характером и подтвержденным провенансом. Произведение сопровождается экспертизой Валерия Силаева, в которой подчеркнуто его музейное значение.