Владимир Яковлев — один из главных «художников свободы», любимый художник советской творческой и научной интеллигенции. Он — интуитивист, гениальный самоучка. Влюбленный в искусство ретушер, он свои первые уроки получил от Василия Ситникова и друзей из художественного подполья. Впрочем, позже все вспоминали, что Яковлева учить было не нужно, разве что подсказать отдельные технические приемы.
Василий Яковлевич Ситников был виртуозным живописцем. Он любил демонстративные ухарские приемы. На глазах у удивленной публики он мог написать композицию половой щеткой и любыми подручными средствами. Впрочем, самые лучшие его картины сделаны кропотливо и тонко. Как и сегодняшняя «Московская идиллия».
«Кубы и колбы» — безусловный шедевр Вейсберга и красноречивый ответ скептикам «белого на белом». Перед нами не просто одна из лучших работ периода, но и вещь в отличной сохранности. Про «белое на белом» ходят слухи, что со временем цвета на картинах Вейсберга меняются и задумка автора теряет свою очевидность. Здесь мы можем убедиться, что это не так.
Магистральными сюжетами в творчестве Владимира Вейсберга были натюрморты с геометрическими фигурами, очаровательные женские портреты, а вот цветы — редкость. И сегодня перед нами одна из самых тонких и эффектных работ выдающегося колориста.
Краснопевцев музейного значения! 1963 год — начало особо ценного периода. К этому времени Краснопевцев завершил переход от яркого красочного многоголосия к аскетичной палитре, которая станет еще одним характерным отличием его метафизических натюрмортов. Помещение предметов в ниши, игра с динамическим диапазоном, мистическая перспектива — в картине применены все излюбленные приемы мастера. Краснопевцев вновь виртуозно передает объем предметов без тени и находит удивительный защитный баланс в окружении стен.
Морские звезды — важные источники вдохновения для натюрмортов Краснопевцева. Художник вел затворническую жизнь, никогда не был на дальних морях. Поэтому любые экзотические красивые предметы были для него источником новых впечатлений и лучшим подарком. Зная об этом, друзья привозили ему из зарубежных командировок необычные ветки, камни, черепки и раковины. В гармонии выстроенных предметов Краснопевцев черпал вдохновение.
Картина «Крепость» датирована 1960‑ми годами. Она написана в период, когда «проповедник добра» Харитонов работал в стиле тонкого дивизионизма, еще без «бисерной» росписи. Кроме того, здесь нет и выраженного религиозного сюжета. Скорее картина погружает в атмосферу сказки — в духе символического жанра, который сейчас бы сравнили с «фэнтези».
Черный Дон Кихот — масло на картоне — камерная живописная «исповедь» Анатолия Зверева. Герой Сервантеса выступал альтер эго художника. Неприкаянный беззащитный рыцарь. Жертва насмешек и жестокости толпы. Человек не от мира сего. Мы не знаем, насколько Зверев отождествлял себя с рыцарем печального образа, но его чувства были художнику глубоко понятны. Ему, как и благородному дону, не раз приходилось уворачиваться от ударов судьбы.
«Портрет миссис Аглаи Лампроу» — квинтэссенция жанра «зверевского портрета». В нем заложены все основные приемы, которые заимствовали многие современники Анатолия Тимофеевича. Крупные глаза, пышные прически, яркие губы. Людям это настолько пришлось по душе, что в среде неофициальных художников сформировался своего рода поджанр «зверевского портрета».
«Композицию с иконами» знатоки относят к числу самых выразительных работ в собрании Альберто Сандретти. В 2007 году она участвовала в знаменитой выставке «Искусство против». Рухин 1974 года — пример смелости: и гражданской, и творческой. И картины тоже были под стать. Вызывающие, смелые, свободные. Рухин включает в свои ассамбляжи оттиски икон, использует элементы реди-мейд, создает вихрь из синтетических текстур. Большинство его работ покупали иностранцы — послы, сотрудники дипмиссий, журналисты, бизнесмены.
