ШЕДЕВРЫ

ГРОСИЦКИЙ Андрей Борисович (1934–2017) Лопата как объект. 2006. Холст, масло, авторская техника. 133 × 100

Работы Андрея Гросицкого — хиты наших аукционов. Картины метафизика предметного мира вызывают растущий интерес коллекционеров. Неудивительно. На рынок выходят работы такого уровня, что глаза разбегаются. И вот еще один безусловный шедевр. Одна из любимых тем Гросицкого. Он называл их не просто «Лопата», а «Портрет лопаты». Словно речь идет не об инструменте, а об одушевленном предмете, покрытом шрамами и трудовыми морщинами.

О поэте вещей Андрее Гросицком у нас снято отдельное видео на нашем YouTube-канале. Но вкратце повторим. Он — создатель особых «одушевленных» рельефов, вдохновением для которых служили лопаты, ржавые щеколды и куски металла. Шестидесятник, художник «другого искусства», он участвовал в выставке в «Доме культуры» на ВДНХ в 1975 году, а с 1976 года регулярно выставлялся в горкоме на Малой Грузинской, 28. В 2007 году персональная выставка художника состоялась в Третьяковской галерее.

РУССКИЙ АВАНГАРД

РОЖДЕСТВЕНСКИЙ Константин Иванович (1906–1997) Пейзаж. Этюд стенной росписи для Всероссийской сельскохозяйственной выставки. 1940. Холст, масло. 29,5 × 29,5

Константин Рождественский — соратник Казимира Малевича, один из любимых его учеников, который был с учителем до последних дней, принимал участие в похоронах мастера. Увы, Рождественского, как и весь первый русский авангард, «остановили на бегу» в 1930-х. Дали ясно понять: либо занимайтесь, как положено, соцреализмом на пользу трудовому народу, или можем пустить «в расход» как «контру». Большинство художников были вынуждены покориться судьбе. Компромисс Рождественского состоял в выборе оформительской стези — он начал делать проекты советских выставок. В частности, под руководством Николая Суетина художник принимал участие в оформлении исторической Всемирной выставки в Париже 1937 года (той, где дебютировала статуя «Рабочий и колхозница»).

Через несколько лет работы Рождественский сильно преуспел в эксподизайне. Со временем он стал народным художником, академиком. Ездил по миру, общался с Пикассо и де Кирико. Но свой авангардный период, свой постсупрематизм и крестьянский цикл художник не афишировал, скорее даже скрывал по соображениям безопасности. В итоге этот этап его творчества оказался практически забыт. Рождественский это понимал и тяготился произошедшим с ним. Тосковал по Малевичу, понимал, что его потенциал как художника-новатора по несчастному стечению обстоятельств остался нереализованным. Лишь в конце жизни художника, в 1990-х годах, искусствоведам удалось ознакомиться с авангардным периодом в творчестве Рождественского. Значительный корпус его работ поступил в Третьяковскую галерею. Там же в 2006–2207 годах, через десять лет после смерти художника, состоялась персональная выставка «Константин Рождественский. К 100-летию со дня рождения». Важно, что представленная картина опубликована в каталоге этой выставки, на стр. 523. Добавим, что Рождественский, как и положено участнику русского авангарда, — редкий гость на открытых торгах. И довольно дорогой художник. На лондонских аукционах цены на его произведения не раз били отметку в 500 000 долларов. А действующий аукционный рекорд для его живописи был установлен в 2020 году и составляет 814 000 долларов.

ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

КРОПИВНИЦКИЙ Лев Евгеньевич (1922–1994) Фантомчики. 1990. Холст, масло. 170 × 120

Лев Кропивницкий — сын Евгения Кропивницкого, основателя лианозовской группы. Фронтовик. Ранение, год в госпитале. Вернулся с войны, и в 1946 году попал в лагеря по антисоветской статье на 10 лет — по сфабрикованному обвинению в «подготовке покушения на товарища Сталина». По той же статье, что и Свешников. Лагерь они пережили по-разному. Свешников вернулся нелюдимым, недоверчивым человеком, ищущим успокоения в мире грез и фантазий. А Кропивницкого вспоминают как жизнелюба — человека, ценящего мир мирских наслаждений. Этот оптимизм и бьющая энергия задают настроение его больших холстов 1990-х годов. «Фантомчики» среди них — один из самых интерьерных и умеренных. С праздником, с эротизмом, но не особо вызывающим. Словом, коллекционерам — обратить внимание!

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Обнаженная на ослике и лошадка. Графическая импровизация на тему романа Апулея «Золотой осел». 1983. Бумага, тушь. 27 × 19

«Золотой осел» — одно из любимых произведений Анатолия Зверева. К роману древнеримского писателя Апулея, жившего во II веке, Анатолий Тимофеевич сделал десятки иллюстраций. Все они — разной степени проработки, разного вдохновения. Но эта — одна из лучших, что мы видели. «Золотой осел» — это притча о молодом прожигателе жизни Луции, который решил испытать судьбу и получил жестокий урок. Подглядев, как колдунья мажется волшебной мазью и превращается в сову, римский повеса решил обратиться птицей. Да не тут-то было. Что-то пошло не так. Луций стал ослом. И в таком обличье ему пришлось провести немало времени, пока боги не смилостивились. Зато посмотрел на жизнь другими глазами.

Виртуозный рисунок Зверева оформлен и сопровождается экспертным заключением Валерия Силаева.

ЮРЛОВ Валерий Иванович (1932) Пара форм (Композиция с двумя фигурами). 1976. Холст, масло. 30 × 40

Валерий Юрлов — художник неофициального искусства, шестидесятник. Знатоки считают его одним из главных последовательных беспредметников в нашем послевоенном искусстве. Представленная работа — небольшая, но важная. Казалось бы, две похожие фигуры — обычная и измененная. Что тут новаторского? Но знатоки сразу поймут. Дело в том, что Юрлов — разработчик концепции «пары форм», или «было — стало». Ее идея в упрощенном виде состоит в анализе двух состояний объекта — до и после воздействия внешней среды или времени. Интересно, что абстракционистская концепция Юрлова родилась под влиянием сугубо импрессионистского откровения. Художник рассказывал, как сидел на берегу Черного моря в Абхазии и смотрел на прибой: «Я нашел консервную банку, которую разбивает волна. Она ее превращает в совершенно другую форму — здесь такая же банка, но абсолютно новая. А так как я занимался натюрмортами, сравнениями, то просто ставил на стол такие предметы, рисовал и как-то нашел это влияние "было — стало"».

Как жили независимые абстракционисты в СССР? Выставлять их не выставляли. На жизнь художник зарабатывал книжной иллюстрацией в издательстве «Детгиз». Но и там умудрялся попадать в опалу, потому что экспериментировал с формой, избегая банальностей. А картины? Их Юрлов был вынужден рисовать «в стол». Без шанса показать на официальной выставке. Его живопись изредка покупали иностранцы, которых приводили друзья, по связям. Иногда художник дарил их в знак благодарности. Бывало по-разному. В частности, наша «Пара форм» больше 40 лет хранилась в семье одного из друзей художника и сейчас впервые выставляется на аукционных торгах.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Прикуп. 1996. Холст, акрил, см. т. 50 × 50

Вопреки распространенному заблуждению, сам художник картежником не был. А масти на его композициях — это формальный ход и продукт импрессионистского шока. По легенде, Немухин на прогулке увидел колоду, которую сдуло ветром в воду. И вот эта красота полупритопленных, беспомощных карт произвела на художника столь яркое впечатление, что стала магистральной темой его творчества. «Прикуп» относится к числу любимых сюжетов Немухина, к которому он не раз возвращался.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Красный цветок. Конец 1960-х — начало 1970-х. Бумага, гуашь, темпера. 50 × 50

Владимиру Яковлеву было около 30 лет, когда он рисовал этот цветок. Это расцвет его сил и таланта. Эксперт Валерий Силаев отметил, что каждая работа В. И. Яковлева такого качества исполнения уникальна и имеет огромную ценность. В 1970-х иметь дома цветок Яковлева было не только наслаждением, но и хорошим тоном среди вольнодумной русской интеллигенции. Такие цветы висели в квартирах врачей, ученых, писателей. Такие вещи музейного уровня сегодня уже редкость, и цены на них заметно выросли.