РУССКОЕ ЗАРУБЕЖЬЕ

АЛЬТМАН Александр (1878–1950) Платаны на берегу реки. Холст, масло. 73 × 60

Деревня Киевской губернии — Одесса — Вена — Париж. Нормальный маршрут для талантливого и в меру амбициозного провинциального художника. Ну а куда еще ехать, как не в культурную столицу Европы? Туда, где Монмартр, Салоны независимых, любимые импрессионисты и прогрессивная публика, повидавшая многое, а потому не склонная к мракобесию. Забегая вперед, скажу, что случится чудо. Через несколько лет вчерашний сапожник и сам станет видным участником этих салонов. А его персональную выставку в Париже оплатит сам знаменитый барон Ротшильд.

А ведь ничто не предвещало. Стартовые условия — минимальные. Альтман из бедной еврейской семьи, сбежал из дома в Одессу. Там кем только ни работал — портным, сапожником, продавцом, слугой. По легенде, на путь искусства его наставил художник, у которого Альтман работал в прислуге. Художник заметил его талант, убедил ехать учиться, помог.

Дальше Австрия, потом Франция. Но Париж-то, как и Москва, слезам не верит. Первое время Альтмана ждала жизнь впроголодь, случайные заработки. Но потом судьба странным способом дала еще один шанс. По легенде, после голодного обморока Альтмана доставили в больницу. Там он нарисовал портрет какого-то несчастного старика. И эту работу заметил попечитель больницы. Купил, заплатил, и этих денег хватило Альтману, чтобы посещать парижскую академию Жульена, или Жулиана, как иногда пишут.

Через три года после приезда во Францию Александр Альтман стал успешным художником-импрессионистом. Как сейчас принято говорить, «художником русского зарубежья». А как же Россия? Здесь его по-прежнему не ждали. Удалось устроить выставку в Одессе, но не больше. В Санкт-Петербурге выставку устроить не разрешили (как пишут, из-за черты оседлости, существовавшей со времен Екатерины).

Альтман больше так и не приехал в Россию. Кавалер ордена почетного легиона умер в 1950 году в городе Креси-ла-Шапель, недалеко к востоку от Парижа. Там одну из улиц французы назвали в честь художника — Rue Alexandre Altmann. Вот так она выглядит сегодня. На пике рынка в 2008 году цены на пейзажи Александра Альтмана достигали 100 000 долларов. Рекорд был установлен в 2008 году на французском Агют — метровый холст был продан за 142 000 долларов.

Подлинность пейзажа подтверждена искусствоведческим заключением Т. М. Левиной.

МАРЕВНА (1892–1984) Портрет Марики. Дерево (ковчег), масло. 60 × 54

Перед нами не просто работа Маревны, а портрет ее любимой Марики — их общей дочери с Диего Риверой (который был мужем Фриды Кало). Картина имеет безупречный провенанс. В 2018 году она участвовала в специализированном тематическом аукционе «Розбериз», который был полностью посвящен распродаже артефактов из лондонской студии художницы.

Обратите внимание, что деревянная панель имеет необычную форму с гранеными краями.

Маревна — художница парижской школы, представительница русского зарубежья. Отец отправил ее учиться в Италию, и в Россию она больше не вернулась. Она родилась в Чувашии, а ее настоящее имя — Мария Воробьёва-Стебельская. А Маревной ее назвал Максим Горький, с пасынком которого она дружила. Как художница Маревна родилась в Париже, на Монпарнасе. Она уехала во Францию в 1912 году и попала в плохую компанию — к молодым Модильяни, Сутину, Цадкину, Ривере. Под их влиянием у нее появился характерный пуантилизм с гранями, характерными для кубизма.

ШЕДЕВРЫ

ШПИНДЛЕР Марлен Павлович (1931–2003) Чайник и кружка. 1977. Мешковина, масло. 56 × 69

Начнем с того, что это самый лучший экспрессионистский Марлен Шпиндлер, которого мы когда-либо держали в руках. Образцовый по сюжету, по году и по исполнению. Колоритная мешковина, грубые мазки и особая палитра. Это не просто высокий коллекционный, но совершенно музейный уровень. И за очень правильные деньги.

Тема — арестантская. В окне — решеточка. Шпиндлер знал сюжет не понаслышке, у него за спиной три срока. Нет, не за политику. Причина в характере. Его многие любили, уважали, поддерживали. В том числе Немухин. Тем не менее личные проблемы едва не выбросили его из истории неофициального искусства. К счастью, в конце жизни Шпиндлер был окружен неравнодушными людьми. Его творчество было каталогизировано, изданы шикарные альбомы, а в Третьяковке прошла его персональная выставка.

В 1960-х Шпиндлер дружил со Шварцманом. Они вместе работали на Комбинате декоративно-прикладного искусства. По работам того времени видно, что идеи обоих художников развивались параллельно. Вероятно, это вызвало творческую ревность. Произошла ссора. Шварцман продолжил делать иературы, основал свою школу, при жизни стал успешным и уважаемым художником. Успешным настолько, что мог выставить Костаки миллион за свою иературу — то есть отказать. А у Шпиндлера впереди были тюрьмы и инвалидное кресло. Сейчас работы обоих представлены в Третьяковке.

НОНКОНФОРМИСТЫ

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Джокер. 1997. Бумага, графитный карандаш, панда, белила, коллаж. 82,5 × 59,5

Перед нами трофейный (в коллекционерском смысле) Немухин. Джокер с рыбой! Похожую работу наши зрители уже видели — но то была на холсте, а эта — на бумаге. Возвращение к удачным сюжетам — обычный прием для Немухина. Темы, которые он любил, художник повторял не раз. А этого Джокера он точно любил. По заключению Валерия Силаева работа может иметь музейное значение.

ВОРОБЬЁВ Валентин Ильич (1938) Рыцарь. 1992. Холст, масло. 100 × 90

Валентин Воробьёв — «анфан террибль» неофициального русского искусства. Он изобрел словечко «дип-арт», подразумевая коммерческое искусство для послов и зарубежных дипработников. Он же написал беспощадные едкие книги «Враг народа» и «Леваки», которые не понравились многим романтикам неофициального искусства. С другой стороны, Воробьёв имеет право.

Ведь он действительно был в самой гуще подпольной жизни. Это он выходил со своей перевернутой звездой на пустырь в Беляево, который через несколько минут превратился в Бульдозерную выставку. Это он в 1961 году, за 13 лет до Бульдозерной выставки, устроил в Тарусе выставку свободного искусства вместе со Штейнбергом и Вулохом. Это он пригласил туда иностранцев. Власти выставку зачем-то разогнали и устроили скандал на весь мир. Вулоха с Воробьёвым за тот поступок отчислили из ВГИКа под предлогом профнепригодности. Художник эмигрировал много лет назад. «Рыцарь» — это хорошая, характерная сюжетная абстракция Воробьёва французского периода.

ПИВОВАРОВ Виктор Дмитриевич (1937) Фигура со стаканом. 2019. Бумага, литография. 40 × 40. Тираж 3/10

ПИВОВАРОВ Виктор Дмитриевич (1937) Ничего я не трогал. Тарелка. 2007. Авторский экземпляр. AP VIII/Х с рисунком-мышкой

Две работы классика концептуализма, участника сретенской группы. Малотиражная печатная графика и тарелка. Похожие работы уже были на наших торгах. Но обратим внимание на одну фишку. На каждой тарелке Пивоваров вручную делает уникальный рисунок. Конкретно на сегодняшней тарелке он нарисовал очаровательную мышку. А что у нас мышка? Символ года. Да еще и талисман, приносящий удачу в финансовых делах.

Виктор Пивоваров — один из главных представителей московского концептуализма, автор логотипа журнала «Веселые картинки» и отец Павла Пепперштейна. Его единомышленниками в 1960-х были Илья Кабаков, Юло Соостер, Владимир Янкилевский. И Янкилевский у нас сегодня тоже есть.

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Адам и Ева. 1974. Бумага, карандаш. 13 × 29 (в свету)

Владимир Янкилевский — участник Таганской выставки, Манежа-1962 (там, где Хрущев со свойственной ему деликатностью учил художников, как и что нужно рисовать), выставки в павильоне «Пчеловодство» и еще многих знаковых событий в истории неофициального искусства. Яркий, смелый новатор, не опасающийся сложных вопросов. Особенно для советского времени. Его темами были отношения мужчины и женщины, диалог с вечностью. А еще страхи, искажения, мутации, порождаемые социумом. «Адам и Ева» — одна из самых важных его серий. И этот маленький рисунок по сути является квинтэссенцией его философских размышлений.