ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

КОМАР Виталий Анатольевич (1943) и МЕЛАМИД Александр Данилович (1945) Городские ангелы (Urban Angels). Диптих. 1993. Оксидированная сталь, масло, трафарет. 92 × 71 (каждая из двух частей)

Художников дуэта Комара и Меламида знают в первую очередь как изобретателей соц-арта, который они придумали в 1972 году. Сам термин — это комбинация «поп-арта» и «соцреализма». Но в отличие от американского поп-арта, который доводил до абсурда рекламу, Виталий Комар и Александр Меламид придумали доводить до абсурда символы идеологической пропаганды. Впрочем, тут даже не нужно было сильно стараться, так как коммунистическая пропаганда в СССР всегда стояла в полушаге от китча. Комар и Меламид — авторы программных работ «Рождение социалистического реализма» (палимпсест «Происхождения живописи» Эдуарда Даге), «Двойной автопортрет» и других. Комар и Меламид входят в топ-5 самых дорогих художников послевоенного неофициального искусства, после того как в 2010 году их картина «Встреча А. Солженицына и Г. Бёлля на даче М. Ростроповича» продалась на «Филлипсе» дороже 1 000 000 долларов.

Комар и Меламид входили в число организаторов «Бульдозерной выставки». После избиения на пустыре в Беляево, власти усилили административное давление на художников-бузотеров. Комара и Меламида исключили из Союза художников СССР. Через три года они эмигрировали. Сначала в Израиль, потом в США. В Америке Комар и Меламид продолжили свой веселый перфоманс. Щедро раздавали пощечины общественному вкусу. Например, они были первыми покупателями души Энди Уорхола в рамках перфоманса «Скупка душ».

С 2003 года художники работают врозь. Дуэт распался.

Но у нас на картине пока 1993 год. Комар и Меламид еще работают вместе. И Urban Angels — очень известный их сюжет. Его авторские версии есть в музеях (например, в Московском музее современного искусства) и в частных собраниях (Александра Кроника и др.). Ангела с лютней можно считать покровителем искусств. А ангела с книгой — покровителем знаний. То есть речь о союзе науки и искусства, метафоре вдохновения и созидательности.

ВУЛОХ Игорь Александрович (1938–2012) Фрагмент. 1962. Оргалит, масло. 58 × 48

Шестидесятник Игорь Вулох — один из рекордсменов уходящего года. Цены на его работы в 2021-м выросли в два раза. А отдельные его произведения на аукционах и вовсе уходили с превышением расчетных ожиданий втрое. Такие всплески были не по всему Вулоху в целом, а по работам именно музейного уровня. К которым однозначно принадлежит и наш «Фрагмент».

Редчайший случай. Масло Вулоха 1962 года. Шедевр медитативной условности. Выставочный и опубликованный. С безупречным провенансом (работа происходит из семьи художника). «Фрагмент» участвовал в нескольких музейных выставках. В частности, его можно найти на стр. 120 каталога московской выставки «Живопись и графика Игоря Вулоха» 2008 года.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Пятнистый конек. 1986. Оргалит, масло. 80 × 122

В 1986 году Зверев жил и работал в хрущевке на Малахитовой улице у своего друга и соратника по горкомовской группе «21» — художника Виктора Казарина. В трехкомнатной малометражке, которая тогда была одновременно и жилищем для большой семьи, и мастерской, Зверев набирался сил и вдохновения. Звереву там было хорошо. Изможденный художник словно снова ожил. К нему вернулся интерес к живописи и тяга к экспериментам. В этот период Зверев делал не только совместные работы с Казариным (подписанные КЗ или КАЗ), но и отдельно свои — подписанные только инициалами АЗ. Как правило, совместные работы были большие — полтора метра, а самостоятельные — около метра. И вот «Пятнистый конёк» — как раз одна из таких, чисто зверевских. После смерти художника, которому оставалось жить всего несколько месяцев, Виктор Казарин устроил несколько выставок в память о друге. В каких-то из них участвовала и эта работа, что отмечено в экспертном заключении Валерия Силаева. «Пятнистый конек» — вещь трогательная, личная, наивная, исповедальная. Вероятно, это мысленное возвращение в детство повидавшего много художника. Картина имеет безусловную коллекционную ценность.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Посвящение Полю Сезанну. 1998. Дерево, тонировка. Постамент 28 × 28. Высота 20 см

Скульптурное посвящение Полю Сезанну художник Владимир Немухин впервые выполнил в 1983 году. Работа настолько полюбилась коллекционерам, что художник дважды возвращался к этой теме. В 1998 году посвящение Сезанну было выполнено из дерева и отлито в бронзе.

Почему Сезанн — и вдруг кубы с пирамидами? Это дань новаторству великого постимпрессиониста, который вышел за рамки кубизма и фовизма. Кубы с шаром и пирамидой — это обращение к первосимволам, к основам его «нового зрения», обращение к примитивным базовым элементам, из которых стали ткаться картины Сезанна и его многочисленных последователей. Сезанну удалось достигать предельного лаконизма, безжалостно отсекать все лишнее, оставаясь при этом в рамках фигуративной живописи. Известно, что именно открытия Сезанна сильно повлияли на оптику художников русского авангарда, участников «Бубнового валета» и других. То есть композиция Немухина — это не только диалог с постимпрессионизмом, но еще и логический мост от «второго авангарда» к первому.

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Прощание. 1992. Холст, масло. 90 × 70

Внимательные зрители заметили, что только что выставлявшийся рисунок «Прощание» и представленная сегодня картина «Прощание» имеют общий сюжет. Это одна и та же сцена, воплощенная в графике и в живописи. Рисунок — не эскиз. Он завершенный, тщательный, многодельный. Хотя Свешников и делал эскизы, мало кто их видел. Но тут все интереснее. Ведь хронологически рисунок «Прощание» выполнен через пять лет после картины «Прощание». Бумага — 1997 года, а масло — 1992-го. Такая вот необычная последовательность.

Понятно одно. Возвращение к этой же теме в графике свидетельствует о ее высоком значении для Свешникова. Мысль его не отпускала. Сюжет сложный. Но у Свешникова легких не бывает. Миры, которые он создал в своей голове, — это сублимация тяжелого опыта: лагерей, которые он прошел, попыток выжить и не сойти с ума. Сегодня Борис Свешников — один из самых востребованных художников-нонконформистов. Аукционные цены на живопись и графику любимца Костаки за год выросли в два и более раза. Это один из авторов, рекомендуемых нами для включения в инвестиционную коллекцию.

ЯКОВЛЕВ Михаил Николаевич (1880–1942) Обнаженная. 1926. Холст, масло. 61 × 50

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Красный цветок. Конец 1960-х — начало 1970-х. Бумага, гуашь, темпера. 50 × 50

Яковлев и Яковлев. Дед-импрессионист и выдающийся внук-экспрессионист. Фамилию Михаила Николаевича Яковлева многие из нас помнят по биографии Владимира Игоревича. Михаил Яковлев учился в Строгановке, потом в Петербурге у Репина. Участвовал в выставках «Союза русских художников», работал как художник театра. Дед Яковлева эмигрировал в 1923 году во Францию. Но, удивительно, решил вернуться в СССР. И выбрал для этого самый «подходящий» год — 1937-й. Биографы сходятся во мнении, что Яковлева-старшего спасло просто чудо.

Ну а внук, Владимир Игоревич Яковлев, в представлениях не нуждается. Судьба распорядилась так, что он стал одной из главных фигур послевоенного неофициального искусства. Графика Яковлева в уходящем году несколько раз брала отметку в 1,5 млн рублей. Цены на отдельные работы показывали феноменальный рост. Яковлев по-прежнему остается одним из любимцев русской интеллигенции. Мы заметили, что в этом году у нас его работы покупали врачи, ученые и успешные представители бизнеса.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

ВОЛИГАМСИ Ринат (1968) В тени. 2003. Холст, масло, акрил. 80 × 67

Звезда Рината Волигамси зажглась буквально на наших глазах. Всего за двадцать лет молодой автор из Башкирии стал художником всероссийской известности. Его признание, что важно, выражается не только в премиях и выставках, но в широкой востребованности среди коллекционеров. Насмотренные люди не просто цокают языками, а голосуют рублем. Сотнями тысяч рублей.

Картины Волигамси — это не просто абсурдистские шарады, которыми кажутся с первого взгляда. Это работы с тремя-четырьмя уровнями смыслов. Чистая экзистенциальная философия. Их можно бесконечно долго рассматривать, разгадывать, находить все новые и новые метафоры. И «В тени» — один из лучших примеров загадочной живописи Волигамси особо ценного периода. Музейный уровень. И большая редкость. Не упустите.

СУРОВЦЕВА Елена Михайловна (1952) Лежащая обнаженная. Бронза, патина. 50 × 30 × 29

Романтичные женские образы — любимая тема в творчестве Елены Суровцевой. Ее скульптурам свойственна особая эмоциональность. Сложные позы, сложная энергетика. Это разговор о философском одиночестве человека в мире, о стремлении к самопознанию, о непознаваемости природы. Крупная, очень эффектная пластика от известного современного скульптора. Высота 30 см и вес около 25 кг. Коллекционерам на заметку: работы Елены Суровцевой находятся в собраниях Русского музея, Третьяковки и Московского музея современного искусства.