ШЕДЕВРЫ

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Завернутая чаша. 1972. Оргалит, масло. 54 × 37,5

Среди поразительных эффектов «Завернутой чаши» Краснопевцева — изменение яркости и тональности в зависимости от того, с какого угла на нее смотреть. Если смотреть прямо, то композиция выглядит чуть темнее, но стоит сместиться на полшага — и цвета становятся ярче. Возможно, всему есть научное объяснение: краска причудливо ложится в текстурной структуре оргалита, и свет отражается иначе. Но эффект — поистине мистический.

Краснопевцев — один из самых дорогих художников русского неофициального искусства. Даже после коррекции на рынке цены на его метафизические натюрморты зачастую подбираются к отметке в 100 000 долл. и способны ее преодолевать. В отличие от работ многих нонконформистов, его картины высоко ценились и при жизни художника. Краснопевцев был любимцем Георгия Костаки и Святослава Рихтера. Его покупали композиторы, ученые, деятели науки и искусства. Феномен его творчества состоит в тактичном философском подходе к вечным вопросам. В чем смысл жизни? Что есть добро и зло? Какова природа этого мира? Почти все натюрморты Краснопевцева — это модернистский вариант жанра ванитас, иллюстрирующего идею бренности и суеты сует. Его приемы — расположение предметов в безупречном равновесии и при этом без искусственной симметрии (что не свойственно самой природе). Подлинность работы подтвердил ключевой исследователь творчества и составитель каталогов живописи Дмитрия Краснопевцева — Александр Ушаков. Он же помог установить авторское название. Картину сопровождает экспертное заключение Валерия Силаева.

Картина будет включена в будущий обновленный каталог-резоне Краснопевцева.

Особо ценный период, хороший размер, редкий сюжет. Безусловный музейный уровень.

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Пейзаж с отражением. 1974. Холст, масло. 60 × 80

1974 год — это не просто ценный доэмиграционный период, но еще и год бульдозерной выставки, организованной Рабиным. А атмосфера стояла гнетущая. Вроде бы война закончилась 30 лет назад, уж 20 лет нет Сталина, к 1980 году обещан коммунизм. А тут… беспросветность почему-то всё еще барачной страны и угроза, разлитая в воздухе. Органы были снова заняты поиском внутренних врагов. И зачем-то нашли их в лице независимых художников. Мол, пишут страшные картины, общаются с иностранцами, да еще пытаются качать права, чтобы им давали выставочные залы. В качестве ответных мер — провокации, вызовы в милицию, хамское закрытие чудом залитованных выставок. В 1974 году Рабин бросил властям вызов — собрал мирную демонстрацию в виде выставки на открытом воздухе. В ответ — струи грязи поливальных машин и крепкие кулаки «озеленителей в штатском». Наутро про избиение художников узнал весь мир, а сама выставка вошла в историю под названием Бульдозерной.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

ВОЛИГАМСИ Ринат (1968) Персонаж, сидящий на моем стуле. 2004. Холст, акрил, масло. 80 × 60

Задорный, абсурдистский, хармсовский Волигамси. Я бы не назвал его картины этого периода сюрреалистическими. Природа обаяния его работ состоит в другом — в сочетании тонкого юмора и обязательного философского содержания. Каждая картина — как загадка-коан у московских концептуалистов. Почему ноги вытеснили сердце и голову? Почему человек эволюционировал в идеальный организм для вечной беготни? И чего это он вдруг расселся, когда давно пора бежать?

Ринат Волигамси — один из редких современных художников, которого мы не боимся рекомендовать для инвестиционной коллекции. Наше мнение — он безусловно яркая фигура 2000-х, уже занявшая место в истории русского искусства. Волигамси — любимец не только коллекционеров, но и публики. По секрету расскажем, что скоро будет запущена линия одежды, оформленная по мотивам его картин, — футболки и кое-что еще. Сюжеты выбраны максимально хулиганские. С драками, мухами и всякими бесчинствами. Словом, всё как мы любим.

ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Валет Мишень. 2005. Холст, акрил, коллаж. 100 × 80

Матерые коллекционеры Немухина всегда обращают внимание на редкие сюжеты. И перед нами один из них. Нет, конечно, мы понимаем, что Немухин работал циклами, что «валетов-мишеней» у него не один и не пять. Но вот за последние три года на нашем аукционе не припомню ни одного. И уж тем более валета метрового — музейного. Да еще и с такой сложной проработкой — что по фото понять сложно, нужно смотреть только живьем. К слову, обычно Немухин в таких работах был куда более лаконичен, сокращал количество деталей. А вот для этого валета он сделал исключение. Композиция получилось насыщенной. Вероятно, все эти факторы (размер, относительная редкость композиции и насыщенность) позволили эксперту Валерию Силаеву вынести этой работе вердикт «может иметь музейное значение».

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Девушка в лиловом. 1966. Бумага, акварель, процарапывание. 67,5 × 47,5

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Распятие (автопортрет). 1967. Бумага, акварель, процарапывание. 43,3 × 63,5

Две работы Зверева: почти одного времени (1966 и 1967), обе — акварели. Но работы совершенно разные. Они представляют две особо сильные творческие ипостаси «народного художника»: женский портрет и жанровую сцену в экспрессионистской манере. В это время Звереву — 35 лет. Многие считают этот период пиком его творчества. В портретном жанре Звереву еще свойственен лиризм и старательность. Это еще не перфомансы в стиле «портрет за 60 секунд», а тонкая работа. Обратите внимание, что у Зверева уже появилась особая фирменная портретная стилистика. Некоторые снисходительно называют ее «губки бантиком». Но этот формат полюбился покупателям настолько, что породил армию подражателей. И вот мы незаметно для себя уже привыкли к формулировке «портрет в зверевском стиле».

А второй портрет — совсем другое. Это вид сверху на распятие. Знатоки считают, что это исповедальный прием и Зверев изобразил на кресте самого себя. Отсюда и второе название — автопортрет. Работа знаточеская, важная. Силаев пишет «имеет музейное значение».

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Надежда. 1990. Оргалит, см. т. 39,5 × 39,5

Посетители нашего аукциона уже избалованы исполинскими музейными размерами картин Беленка. Полтора-два метра. Спору нет, такие вещи очень эффектны. Но стоят немало и требуют больших помещений. Когда картин в коллекции много — это уже неудобство. А вот такой компактный Беленок как раз легко найдет себе место даже в большом устоявшемся собрании. Обратите внимание, что это не графика. Это живопись на оргалите, с узнаваемым сюжетом и с привлекательной ценой.

Напомним, что Пётр Беленок — изобретатель панического реализма. Он один из немногих главных новаторов в послевоенном неофициальном искусстве. С 1960-х годов его работы показывали на выставках за рубежом. Его картины продавала Галерея Костаки после эмиграции коллекционера в Грецию. Но широкое признание пришло к художнику лишь после его смерти.