ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Камень, два сосуда и ракушки. 1971. Оргалит, масло. 25,2 × 25,2

Камерный натюрморт Краснопевцева. 1971 год. Особо ценный период.

Краснопевцев — художник вне эпохи. Его искусство в какой-то части — это переосмысление жанра ванитас. Излюбленные камни, причудливые сухие ветки, раковины, разбитые кувшины — все это символы вечности и бренности этого мира. Второй акцент, который ставил Краснопевцев в натюрмортах — это поиски гармонии, выстраивание равновесия без симметрии. Но есть еще и третий смысловой уровень, совсем знаточеский. Натюрморты Краснопевцева часто бывают сюжетными и автобиографичными. В диалоге предметов серьезный исследователь творчества может идентифицировать даже личные драмы. Правда, для этого нужно совсем уже экспертное погружение в материал. А вот попытаться воссоздать сцену, домыслить драматургию из расстановки предметов-персонажей — задача вполне посильная обычному зрителю.

Дмитрий Краснопевцев сегодня является одним из самых дорогих художников неофициального искусства. Его аукционный рекорд на пике рынка составил почти миллион долларов. Художник был очень востребован при жизни, а картины еще тогда были довольно дороги. Их покупал Рихтер, Костаки, Махровы, Сандретти, Бар-Геры, многие иностранные дипломаты, корреспонденты, предприниматели.

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Автопортрет, серия «Автопортреты». 1993. Картон, различные бумаги, коллаж, цветные карандаши, пастель, фломастеры, гуашь. 59,8 × 80,2

Концептуалистский автопортрет — это одна из главных тем Владимира Янкилевского. Это условный образ, наполненный мыслями, идеями. В автопортретах Янкилевского можно найти и конструкцию его фирменного «Пространства переживаний», и «Анатомию чувств», и отсылку к другим конструктам. Для некоторых автопортретов художник специально прибегает к особой форме коллажа: Янкилевский не вырезает, а вырывает фрагменты графики и монтирует их на фон, без симметрии, без ровных краев. Думаем, это символизирует определенный сумбур, круговорот мыслей, сомнений и страхов, которые испытывает человек в социуме. В голове ровно не бывает.

Владимир Янкилевский — художник круга Сретенского бульвара, куда входили Кабаков, Соостер, Пивоваров, Соболев-Нолев. Вместе с Неизвестным, Соболевым и Соостером он участвовал в резонансной Таганской выставке и Манеже-1962. Именно пентаптих Янкилевского Хрущёв назвал «мазнёй». Янкилевский — создатель программных циклов «Пространство переживаний», «Анатомия чувств», «Автопортреты», «Люди в ящиках», «Мгновение вечности». Темой его исследований были не только вечные вопросы (мужское — женское — универсум — человек и время), но и природа конформизма, адаптации и изменчивости человека в агрессивном социуме.

ШАБЛАВИН Сергей Петрович (1944) День. Структура круга. Медитация. 1990. Холст, масло. Диаметр 84 см

Сергей Шаблавин — художник круга московского романтического концептуализма, создатель идеи «дискретной картины», разработчик концепции «формулы пейзажа». Его круглые холсты относятся к самым узнаваемым живописным конструкциям.

Работа воздушная, очень русская, даже московская. Ведь не в Нью-Йорке же строили такие массовые девятиэтажки? Работа при этом не без загадки. Уже обратили внимание, что это за пятна на фасаде? Выглядит как декоративный элемент. Но если присмотреться, то это тень от большой вывески Coca‑Cola.

Шаблавин пришел в искусство самоучкой. Он закончил МИФИ и начал писать картины после самостоятельного анализа идей Родченко и Лисицкого. В 1967 году произошла судьбоносная встреча Шаблавина с концептуалистом Олегом Васильевым. И вскоре художник присоединился к Группе Сретенского бульвара, к которой относят Кабакова, Булатова, Янкилевского, Пивоварова и других. В семидесятые и восьмидесятые картины Шаблавина покупали знаменитые зарубежные коллекционеры — Нортон Додж, Яков и Кенда Бар‑Геры, Альберто Сандретти. Интересно, что, вопреки влиянию окружения, художник не перерабатывал символы пропаганды и не говорил на темы угнетения человека коммунальным бытом. Его творчество всегда отличалось особой романтичностью. Возможно, еще поэтому его картины остаются вне времени и вот уже пятьдесят лет привлекают все новые поколения коллекционеров.

КАБАКОВ Илья Иосифович (1933–2023) «Окно». Альбом лимитированного тиража с оригинальным рисунком «1 + 3 + 5». 1985. Бумага, цв. карандаш, тушь. 23,5 × 32 (рисунок)

Знакомство с этим комплектом началось с рисунка. Про книгу мы в тот момент еще не знали и долго ломали голову над происхождением и нумерацией. С графикой Кабакова это всегда непросто. Пока не наткнулись на аукцион Сотбис, где, как оказалось, он был продан. Тогда и выяснилось, что был лимитированный тираж 50 экземпляров книги Кабакова «Окна», изданной в Швейцарии в 1985 году. Тираж был подписной, с автографом автора. И в каждую книгу вкладывался оригинальный подписной рисунок с тем же номером, что и книга. И вот теперь книга и рисунок воссоединились. На предпоследней странице книги, как и на рисунке, указаны номер экземпляра и авторская подпись: № 5/20 «А» / Ilya Kabakov. В описании лота Сотбис указывал, что подлинность комплекта в 2020 году, при жизни автора, была подтверждена Ильей и Эмилией Кабаковыми.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Белый цветок. 1960‑е. Бумага, гуашь. 44 × 31,5

Один из лучших цветков Яковлева, что мы видели. Владельческая надпись на обороте указывает на начало 1960‑х — лучший период в творчестве художника. Цветы — его главная тема. Тема исповедальная — символ хрупкости человека в жестоком мире.

Яковлев — «инопланетянин в человеческом обличье», как метко заметил его друг художник Валентин Воробьёв. Самоучка, без формального образования, он стал одним из главных «художников свободы» в творческом подполье. Ни прогрессирующая слепота, ни развивающаяся душевная болезнь не помешали ему стать легендой неофициального искусства еще при жизни. Его рисунки висели в квартирах врачей, ученых и артистов. Их вывозили дипломаты и западные корреспонденты. Теперь многие из них возвращаются на родину и становятся украшением статусных собраний.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Церковь Вознесения в Коломенском. 1972. Картон грунтованный, масло. 49,5 × 34,5

Церковь Вознесения в Коломенском итальянский архитектор построил по заказу Василия III. Царь молил о даровании наследника. И у него родился мальчик — будущий Иван Грозный.

Зверев много раз рисовал это мистическое место. Его возил туда на этюды первый покровитель — актер Александр Румнев. Но наш пейзаж написан уже в период покровительства коллекционера Костаки. С его подачи эта работа оказалась в коллекции одного из греческих дипломатов. Подлинность подтверждена экспертным заключением Валерия Силаева.

СИЛИС Николай Андреевич (1928–2018) Спираль. 1991. Бронза. 31 × 9 × 11

Николай Силис — шестидесятник, новатор послевоенной скульптуры, до 1968 года участник группы «ЛеСС», названной по фамилиям молодых скульпторов-авангардистов Лемпорт-Силис-Сидур.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

ЖЁЛУДЬ Анна (1981–2025) Зима. 2017. Фанера, акрил. 50 × 60

Анна Жёлудь — трагическая фигура современного русского искусства. Она умерла 4 июня 2025 года в возрасте 43 лет. Пик ее известности пришелся на 2007–2009 годы, когда она стала лауреатом «Премии Кандинского» и «Инновации». В 28 лет у нее уже была персоналка в Русском музее, а позже — опыт участия в основном проекта Венецианской биеннале. Сильно упрощая, в ее творчестве можно выделить две магистральные темы — «бесплотные» скульптуры из проволоки и суть довольно личный «живописный дневник». В последнем случае речь идет о визуализации на холстах и фанере ежедневных тревог и переживаний. Наша «Зима» — пейзаж с выставки 2017 года. И в нём есть все главное, за что ценится творчество Жёлудь: настроение, особая искренность и предельный лаконизм выразительных средств.