ШЕДЕВРЫ

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Автопортрет с женой Марусей. Вторая треть ХХ века. Холст, масло. 58,5 × 38,5

Крупная, вдохновенная, очень личная работа редкого периода — 1930-х годов. Не привычный пастозный «мазистый» Бурлюк, а его «гладкая» живопись — выполненная тонким красочным слоем. Рядом с Бурлюком — его жена и муза Маруся — Мария Никифоровна Бурлюк, издательница и автор воспоминаний о художниках своего времени (Фешине и других).

Перед нами редчайшая и дорогая вещь музейного уровня, подлинность которой сопровождается экспертным заключением Юлии Рыбаковой.

Что сразу приходит на ум при упоминании Бурлюка? «Додичка», как звал своего друга Владимир Маяковский, Давид Бурлюк вошел в историю как отец русского футуризма. В молодости он был бунтарем, организатором акций футуристов. Бурлюк щедро раздавал пощечины общественному вкусу. Это он придумал раскрашивать лица, вставлять ложки в петлицы пиджаков и всячески шокировать обывателей внешним видом и экстравагантными выходками. Но не все пошло так, как он задумал. Всего через несколько лет после Революции Бурлюк эмигрировал. Его работ русского периода сохранилось мало, на рынке их практически нет. Впрочем, в тихой Америке он не раз возвращался к темам, задуманным еще в России. Коллекционеры ценят его крестьянский цикл и цветы на берегу моря. Но эта вещь сильно выбивается из общего ряда. Она очень личная и представляет особую коллекционную ценность.

ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Каждая проблема должна быть решена (Chaque problème doit être résolu). 1988. Фанера, масло, рельефные вставки из ДСП. 122 × 100

Эту вещь стоить купить за одно только название. Крупная надпись на французском языке буквально гласит: «Каждая проблема должна быть решена». Слова достойные жизненного кредо. Эта философская картина примечательна не только содержанием, но и формой. Да, художник использовал приемы контррельефа. Отдельные компоненты вырываются за границы прямоугольной основы. Вообще, здесь есть все, что ждут от Рогинского. Во-первых, бытовой псевдо поп-арт — тарелки, кастрюли — который сам он называл документализмом. И второе, что редкость для французского периода, — относительно светлая цветовая гамма. Музейный уровень. Подтверждение Фонда Рогинского. Эта работа включена в список готовящегося каталога-резоне, о чем свидетельствует сертификат фонда.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Задумавшийся. 1958. Бумага, масло, гуашь. 60 × 42

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Портрет художника. 1957. Бумага, тушь, кисть, акварель. 59 × 41

Две наши работы Зверева — масло и акварель на бумаге — созданы соответственно в 1958 и 1957 годах. То есть обе относятся к особо ценному периоду. Непростые, но виртуозные произведения для разбирающегося зрителя. Анатолий Зверев — легенда послевоенного неофициального искусства. По-настоящему народный художник. Хотя еще при жизни Зверева Костаки и другие коллекционеры упрекали его, что он слишком щедро тратил свой талант, чуть ли не разбрасывался им. Для истории — это вопрос оценок. Но действительно творческое наследие Зверева насчитывает десятки тысяч работ. Очень разных по уровню. Большая часть из них — скетчи, быстрые наброски и заказные портреты. А вот законченные концептуальные философские вещи — это редкость. И именно за такими вещами охотятся коллекционеры. Обе представленные работы продаются с экспертизами Валерия Силаева. А «Задумавшийся» к тому же опубликован в книге Синельниковой «Нонконформисты» на стр. 163.

ПИВОВАРОВ Виктор Дмитриевич (1937) Голубой батон. Из серии «Хоботы и хохоты». 2008. Холст, масло. 50 × 75

Виктор Пивоваров — один из главных представителей московского концептуализма, художник группы Сретенского бульвара, единомышленник Кабакова и Янкилевского. В Советском Союзе Пивоваров зарабатывал книжной и журнальной графикой. И тем, кто помнит детский журнал «Веселые картинки», будет интересно узнать, что его автор — как раз Пивоваров. Сегодня художник живет и работает в Праге, куда уехал еще во времена Советского Союза.

Картина «Голубой батон» — яркий пример концептуализма. С загадкой. Вам никто точно не скажет, почему батон такого цвета. Концептуалисты традиционно оставляют эти головоломки на суд зрителя. Можно рассчитывать лишь на небольшие подсказки от художника. А они таковы. Синий — это редкий цвет в неживой природе. Синее, подобно небу, выступает у Пивоварова как противовес греховной земле. А синий батон — это метафора «небесной пищи» и одновременно символ абсурда для земного существования. Словом, вечно актуальная, почти шекспировская тема.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934–2021) Блюдо. 2010. Фарфор, ручная надглазурная роспись. 44 × 44

Персонажи-морды и соответствующая эстетика — это творческая находка Целкова еще 1960-х годов. В те времена он осторожно называл морды «масками». Но не скрывал, что их можно воспринимать как своего рода «отражения» внутренних миров представителей социума. Такой «поклеп» на советского человека властям, естественно, понравиться не мог. Они быстро рассмотрели в Целкове «формалиста» и «контру» и загнали за Можай. Первую персональную выставку Целкова в Курчатовском институте в 1965 году закрыли через два дня работы. А вторую выставку в Доме архитектора свернули через 15 минут после открытия. Заморачиваться не стали. Отключили свет — и бывай себе, художник. Вскоре Целкова исключили из Союза художников. И в конце концов добились своего. В 1977 году художник уехал в эмиграцию. Представленное блюдо — редкий экземпляр позднего авторского фарфора художника. Оно опубликовано в монографии «Фарфор шестидестятников».

БОРИСОВ Леонид Константинович (1943–2013) Композиция с ромбом. 1976. Холст, масло, ассамбляж (дерево). 60 × 50

Кто такой Леонид Борисов? Для советской власти — вообще не художник, а самоучка и тунеядец, на которого государство зря только потратило деньги на учебу в электротехническом институте. Но жизнь расставила все по своим местам. И сегодня мы знаем Леонида Борисова как видного представителя газаневской культуры, питерского нонконформиста. В сентябре 1975 года он участвовал в исторической выставке независимого искусства в ДК «Невский» вместе с Жарких и Рухиным. Потом сблизился с Соковым, Шелковским, Орловым, Колейчуком, Чуйковым. Работая в жанре ассамбляжа, получил известность как художник геометрической абстракции. Сегодня перед нами — образцовое произведения газаневского периода — ассамбляж, созданный в самый рассвет ленинградского нонконформистского искусства. Отличный вариант для собрания послевоенного неофициального искусства.

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Праздник Флоры. 1983. Холст, масло. 107 × 93

Вячеслав Калинин — шестидесятник, художник неофициального искусства, близкий к Лианозовской группе. Он был участником резонансной выставки в павильоне «Пчеловодство» на ВДНХ в 1975 году. В 1976 году, после открытия «горкома графиков» на Малой Грузинской, Калинин стал выставляться там в составе «семерки» с Краснопевцевым, Немухиным, Харитоновым и другими. Сегодня Вячеслав Калинин — один из самых востребованных авторов. Спрос на его работы растет на глазах, а цены на крепкую живопись за последние два года выросли практически в два раза.

«Праздник Флоры» входит в число самых лучших, самых лиричных, самых романтических картин Вячеслава Калинина. Здесь нет ни пьяниц, ни ухарей, ни замоскворецких забулдыг. Только красота и романтика. Картина относится к особо ценному периоду — написана в начале 1980-х. К тому же она опубликована. В частности, именно эта работа репродуцирована в монографии «Вячеслав Калинин. Москва — Замоскворечье. Ретроспектива. 1962–1990», вышедшей в 1991 году в издательстве «Знание» (см. стр. 154).

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Метафизическая трансформация. 1970-е. Барельеф, гипс, стекловолокно. 35,0 × 27,0 (рельеф), 56 × 49 × 8 (короб)

Очень красивый рельеф Шемякина из папье-маше. 60 лет назад в СССР официальные власти считали этого тонкого художника «пачкуном», по которому к тому же плачет дурдом. В 1961 году Шемякина отчислили из института Репина за «несоответствующее нормам социалистического реализма художественное мировоззрение» и «эстетическое развращение сокурсников». В 1964 году «Выставку художников — рабочих хозяйственной части Эрмитажа. Навстречу 200-летию Эрмитажа», в которой он принимал участие вместе с Владимиром Овчинниковым и другими, закрыли через день после открытия. А директора Эрмитажа со скандалом уволили. Вскоре художник, разработавший систему метафизического синтетизма, был вынужден зарабатывать на жизнь грузчиком. Через несколько лет мучений ему удалось эмигрировать во Францию. Вдогонку его лишили советского гражданства. Стоит ли говорить, что сегодня Шемякин — мировая звезда и гордость русского искусства.

РУССКАЯ КЛАССИКА

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Портрет крестьянки в платке. 1910–1920-е. Бумага, графитный и цветной карандаш. 34,5 × 29,7

Мялявин — представитель объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». Поразительно, что известность в России пришла к нему после признания за рубежом. Нет пророка в своем отечестве. Здесь академики Императорской Академии раскритиковали его шедевр «Смех». А на всемирной выставке в Париже за ту картину дали золотую медаль. Да к тому же «ничего не понимающие в искусстве» итальянцы купили картину для своего музея современного искусства. На родине тем временем нравоучения не прекратились. И дошло до того, что Малявин перестал показывать свои работы в царской России. По иронии судьбы его первую персональную выставку организовали не императорские академики, а большевики. Приход новой власти художник поначалу встретил с энтузиазмом, даже создал серию портретов Ленина. Но быстро разочаровался и в 1922 году хитростью покинул Родину. Умер художник во Франции, в Ницце в 1940 году.

РУССКОЕ ЗАРУБЕЖЬЕ

ВАСИЛЬЕВА Мария Ивановна (1884–1957) Пара в белых шляпах. 1927. Бумага с металлическим напылением, графитный карандаш, тушь, коллаж. 13,5 × 17,5 (изображение). 22,1 × 30,3 (лист)

Русская француженка Мари Васильефф — уроженка Смоленска, а позже выпускница студии Анри Матисса, яркая представительница Парижской школы. Выставлялась на Салоне Независимых и Осеннем салоне. Коллажная композиция «Пара в белых шляпах» создана в 1927 году. Эксперт Ольга Глебова отмечает ее как очень характерный образец французского периода и присваивает ей музейное значение.

ПЕТРОВ Владимир Константинович (1880–1935) Интерьер Собора Святой Софии. 1920–1930-е. Холст на картоне, масло. 44 × 31,5

В Стамбул Владимир Петров попал с волной белой эмиграции в 1920 году. Ветеран Первой мировой войны, он присоединился к Белой армии и разделил ее участь. Интерьеры собора Святой Софии — одна из любимых и очень характерных тем его творчества. Подлинность картины подтверждается экспертным заключением центра имени Грабаря.

ЯКОВЛЕВ Александр Евгеньевич (1887–1938) В Тунисе. 1930. Холст, темпера, 72,5 × 47,2

Яковлев был членом объединения «Мир искусства». Революция застала его в творческой экспедиции по Азиатскому континенту. В Россию художник решил не возвращаться. Сегодня Александр Яковлев, так же как его друзья по «русскому Парижу» Василий Шухаев и Борис Григорьев, входит в плеяду самых дорогих русских художников. Его аукционный рекорд составляет 5,5 млн долл.

Данная картина относится к серии жанровых сцен, выполненных в Тунисе в 1930 году.