ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Цветы в трех вазах. 1971. Холст, масло. 60 × 63

Магистральными сюжетами в творчестве Владимира Вейсберга были натюрморты с геометрическими фигурами, очаровательные женские портреты, а вот цветы — редкость. И сегодня перед нами одна из самых тонких и эффектных работ выдающегося колориста. И немудрено. Это 1971 год — самый ценный период, когда Вейсберг виртуозно оперирует цветовыми соотношениями. Его натюрморты словно проступают из мглы и тут же в ней растворяются. Картины Вейсберга рождались на тонкой грани светлых цветовых градиентов. Ряд его работ называют «белое на белом». Но это метафора. В чистом виде белый цвет Вейсберг почти не использовал. Это всегда была смесь цветов, которая давала такой волшебный эффект.

Для такой тонкой работы у Вейсберга была специальная комната с белыми стенами. Мастер «невидимой живописи» работал до изнеможения, а после запирался в темноте, чтобы белый цвет перестал пульсировать в глазах.

Фотография «Цветов в трех вазах» опубликована в монографии Анны Чудецкой «Владимир Вейсберг. От цвета к свету» на стр. 224. И, конечно, эта работа числится в списке живописных произведений Вейсберга, который можно найти в монографии Елены Хлопиной «Влюбленный в классическое искусство».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Из цикла «Пространство переживаний». 1981. Холст, масло. 95 × 128

Владимир Янкилевский — один из самых ярких новаторов неофициального послевоенного искусства, представитель эпического экспрессионизма. «Пространство переживаний» — это магистральный философский цикл композиций, который Янкилевский разрабатывал с начала 1960-х годов. Концепцию цикла он формулировал как «создание образа игры мировых сил через человеческое переживание».

Владимир Янкилевский был художником круга Сретенского бульвара, куда входили Кабаков, Соостер, Пивоваров, Соболев-Нолев. Вместе с Эрнстом Неизвестным, Юрием Соболевым-Нолевым и Юло Соостером он участвовал в резонансной Таганской выставке и Манеже-1962, где Хрущёв обозвал его пентаптих «мазнёй».

Представленный на аукционе холст имеет большую выставочную историю. Его показывали на персональной выставке в музее Бохум в 1988 году, на выставке «Анатомия чувств» в Лондоне в 2010-м, на выставке «Москва Underground» в венецианском Ка' Фоскари. Он опубликован в нескольких каталогах и монографиях. Опорная работа. Музейный формат. Безусловный шедевр!

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Цветок в горшке. 1968. Картон, масло, процарапывание. 65 × 50

«Цветы в горшке» — вероятно, куст чертополоха — образцовый вдохновенный натюрморт Анатолия Зверева. 1968 год — особо ценный период. Зверев явно наслаждался работой над этим чертополохом. Картина получилась стремительная, но при этом объемная, законченная, проработанная. Еще один безусловный шедевр. Подлинность подтверждена экспертным заключением Валерия Силаева.

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Уснувший кузнечик. 1988. Холст, масло. 90 × 80

Философская работа Свешникова, мягкая фантасмагория, расцвет сине-зеленого дивизионистского периода 1980-х. Музейный уровень!

Свешников — художник трагической судьбы. Совсем юным человеком, студентом художественного института, он попал в сталинские лагеря по абсурдному обвинению. Рисование в лагере стало для умирающего от голода и болезней человека способом не сойти с ума — убежать в воображаемый мир, населенный средневековыми персонажами, помещенными в диковинные ситуации. Свешников выжил. А его прежде романтическое творчество трансформировалось в особую форму ванитас — напоминание о суетности мира и быстротечности жизни. Его картины стали заселять персонажи загробных миров, диковинные существа и люди в пограничных ситуациях.

«Уснувший кузнечик» — вещь созвучная ранней романтике Свешникова. Ее сюжет не содержит радикальных переживаний, а палитру отличает глубина и мягкость. Для коллекции это идеальный вариант, полностью закрывающий свешниковский период 1980-х.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Ваза, морская звезда и раковины. Первая половина 1960-х. Бумага, акварель, тушь, белила. 36 × 47

Эффектная акварель Краснопевцева. Редкий случай доминирования красной гаммы в его метафизических натюрмортах начала 1960-х. Эту композицию художник считал настолько удачной, что позже реализовал ее в масле с небольшими изменениями.

Главная тема Краснопевцева — это метафизические философские натюрморты вне времени. Меня всегда поражало, что по работам Краснопевцева практически невозможно догадаться, в какой стране и в какую эпоху он жил. Это один из редких художников, кто нашел свою формулу чистой красоты, гармонии и равновесия. За это его так и ценят коллекционеры. Сегодня Краснопевцев входит в число самых дорогих и востребованных мастеров «другого искусства».

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Тюльпан. 2020-е. Фанера, масло, см. т. 150 × 80

Работы Юрия Купера — это гимн красоте старых вещей. Как говорил он сам: «От многолетних человеческих прикосновений все предметы становятся благородными, их даже не надо натирать воском!» И этот восторг замершей красоты в полной мере передался в данной композиции. Из разрушенного временем листа рассохшейся фанеры Купер сотворил шедевр. Придумал технологию, использовал фактуру, написал тюльпан и залил сверху алхимическим составом, в которых он знает толк. В итоге получилась тонкая знаточеская живопись для настоящего ценителя.

Купер — непревзойденный мастер сфумато, автор философских метафизических натюрмортов, поэт старых вещей. Сегодня сложно представить, что до отъезда из СССР в 1972 году он был постсюрреалистом. В новую стихию его толкнул фотограф Джон Стюарт, который сказал: «Послушай, ты тонкий художник, а занимаешься какой-то ерундой. Чего просто не пишешь реальность? Те предметы, которые тебя окружают». Этот совет породил прорыв в творчестве Купера и позволил ему стать успешным современным художником, работающим с инструментарием классической школы.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Два белых цветка. 1968. Бумага, темпера. 31 × 38

Ценители творчества Яковлева верят, что его цветы — это не парадные натюрморты для украшения, а психологические портреты — портреты цветов, как портреты людей. Отсюда такая меланхоличность, трогательность, запечатленная красками ранимость. Во времена СССР ученые, врачи, актеры, музыканты покупали цветы Яковлева за 15 рублей. Сегодня цены на работы такого класса нередко штурмуют отметку в 1 млн рублей.

Владимир Яковлев — загадка, феномен и трагическая фигура русского нонконформизма. Он с юности страдал душевной болезнью, много лет провел в психбольницах и интернатах, в 1990-х в конце жизни полностью ослеп. А его цветы даже спустя пятьдесят лет после создания не вянут и продолжают радовать коллекционеров.