ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ЗЕЛЕНИН Эдуард Леонидович (1938–2002) Женщина в красном. 1970‑е. Холст, масло. 147 × 149

Масштабная, абсолютно музейная вещь! Полтора на полтора метра. Пожалуй, это самый эффектный Зеленин из всех, что мы видели. Она участвовала в выставке 2007 года и опубликована в каталоге, скан которого можно будет увидеть на сайте нашего аукциона.

Зеленин — шестидесятник, нонконформист, одна из главных фигур в обойме «другого искусства». По совету своего друга Эрнста Неизвестного он в начале 1970-х переехал из Новокузнецка  в Москву. И вскоре начал выставляться в кафе «Синяя птица». В 1974 году Зеленин в знак солидарности привез картину на пустырь в Беляево на неразрешенную выставку, которая вошла в историю под именем Бульдозерной. Вскоре он принял участие в Измайловской выставке, по результатам которой «удостоился» разгромной хамской рецензии в «Вечерней Москве». В 1976 году Зеленин уехал во Францию. Его картины выставляли европейские галереи, а в США его работы привозил Александр Глезер в составе выставок «Музея русского современного искусства в изгнании».

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Яблоки и огурец. 1976. Бумага, акварель, гуашь. 45 × 55

Эта гуашь происходит из известного парижского собрания супружеской четы, жившей в Москве с начала 1960-х, так как муж работал торговым атташе Франции в России. Они были влюблены во второй русский авангард, дружили с художниками и собрали отличную коллекцию нонконформистов. Вот и этот Яковлев — оттуда. «Яблоки и огурец» — гуашь особо ценного периода. Яковлев полон сил. В это время из-под его кисти выходят светлые, чистые, многодельные работы. В экспертном заключении по данной гуаши эксперт Валерий Силаев отмечает, что «Яковлев писал ее явно с удовольствием, находясь в прекрасном душевном и физическом состоянии».

Владимир Яковлев — один из самых известных художников неофициального искусства. Он самоучка. С юношеских лет страдал душевными расстройствами, к концу жизни практически полностью ослеп. Но вошел в историю русского неофициального искусства как один из самых тонких и психологичных художников, работы которого имеют огромный успех у коллекционеров.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934–2021) Четыре белые скульптуры. 2011. Фарфор. Завод Höchster Porzellan-Manufaktur

Четыре фарфоровые фигуры — первый и последний опыт Олега Целкова по переносу его персонажей в малую скульптурную пластику. Знатоки поправят, что кроме них из фарфора у Целкова были тарелки, ваза, блюда и фарфоровое яйцо. Но там везде был прием переноса плоских изображений. А объемная пластика у Целкова существует только в этих фарфоровых скульптурах. Белых скульптур было изготовлено всего 15 комплектов. Это крохи. К тому же часть комплектов были «разбиты» — проданы в розницу отдельными скульптурами. То есть полных — еще меньше. Сегодня эти работы — предмет вожделения многих коллекционеров фарфора нонконформистов. Вещи из этого тиража много раз участвовали в выставках и опубликованы в каталоге «Фарфор шестидесятников» на стр. 66–71.

Уникальную всеми узнаваемую эстетику «морд» Целков изобрел в 1960-х. Сначала эта форма вышла случайно. Но вскоре Целков понял, что образ этот эволюционирует и эта загадка его не отпускает. Советская власть «мордами» оказалась недовольна. В 1965 году первую персональную выставку Целкова в Курчатовском институте закрыли через два дня работы. А вторую выставку в Доме архитекторов свернули через 15 минут после открытия — просто отключили свет. Очень скоро Целкова исключили из Союза художников. И в 1977 году он эмигрировал во Францию.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. 1999. Холст, масло. 70,5 × 70,5

Классический геометрический Штейнберг парижского периода, времен сотрудничества с галереей Клода Бернара. Это его постсимволистский этап — время диалога с супрематизмом и конструктивизмом. В СССР Эдуард Штейнберг был близок к группе Сретенского бульвара, куда входили Кабаков, Булатов, Соостер, Янкилевский. Он участвовал в выставках в ДК «Дружба» 1967 года, в выставке в павильоне «Пчеловодство» 1975 года. В 1988 году художник уехал в Германию, потом во Францию. Последние годы он жил на две страны — в Тарусе и в Париже. После смерти в его любимой Тарусе под эгидой Пушкинского музея был создан дом-музей художника.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Лошадки. 1982. Холст, масло. 54 × 44

Вдохновенная, мастерская, экспрессивная работа легенды неофициального искусства. Зверев восхищался грациозностью животных. В молодости он часто ходил в зоопарк — для души. От этих походов остались десятки виртуозных быстрых эскизов с жирафами, тиграми, львами и пр.

«Лошадки» — холст позднего Зверева. Но в этой работе он словно вернулся в 1950-е — в дни, когда все получалось и когда он был абсолютно счастлив наедине с кистями и красками.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Свидетель. 1991. Бумага, тушь, белила, коллаж. 60 × 52

Классический сюжет, чистота и лаконизм в классической графической работе одного из главных новаторов послевоенного неофициального искусства. Петр Беленок — изобретатель «панического реализма», или «катастрофизма», как его иногда называют. Художник последовательно разрабатывал тему конфликта человека и окружающего мира. В его вещах ценится нерв, напряжение и обязательный элемент надежды.

Беленок в молодости зарабатывал лепкой бюстов Ленина. Место было хлебное и непыльное. Но что-то его томило. На выходные украинский скульптор летал в Москву, ходил на выставки и все сильнее осознавал, что растрачивает свой талант понапрасну — на конъюнктурщину. В результате он нашел в себе силы разорвать этот круг: бросил карьеру успешного провинциального скульптора, переехал в Москву и стал бедным неофициальным художником.

Работа выполнена в последний год жизни Беленка. По воспоминаниям друзей, он умер практически в нищете. Сегодня же Пётр Беленок — один из самых дорогих и востребованных художников поколения. За последние три года цены на его произведения выросли втрое.

МИХНОВ-ВОЙТЕНКО Евгений Григорьевич (1932–1988) Композиция. 1975. Бумага, акварель. 29 × 41

Подписная графика легенды питерского нонконформизма — Евгения Михнова-Войтенко. В правом нижнем углу подпись и дата МВ 75. В советское время (а в другое он и не пожил, рано умер, в 56 лет) Михнов-Войтенко работал токарем, учился в педагогическом институте иностранных языков, в театральном институте на постановочном факультете, рисовал вывески на художественном комбинате, оформлял рестораны и дворцы культуры. Долгое время его мощные абстракции видели лишь друзья и узкий круг «своих». Коллеги с трудом уговорили Михнова подать заявку на первую персональную выставку, которая прошла в 1978 году, за 10 лет до смерти.

Одиночка, сторонящийся любой «политики», не участвовавший в резонансных групповых выставках, Михнов-Войтенко тем не менее остался в истории как яркий нонконформист и новатор абстрактной живописи. Есть мнение, что по ряду художественных и технических открытий он опередил европейских и американских коллег. Впрочем, это вопрос дискуссионный, так как «железный занавес» надежно ограждал от диалога культур.

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Капуста. 1994. Холст, масло. 46 × 33

Лаконичный Рогинский французского периода, но с русским настроением. Капуста в Париже? Как говорил персонаж Броневого в «Формуле любви»: «Ну откуда в Италии мята?»

Михаил Рогинский — шестидесятник, художник-документалист, представитель особой ветви русского поп-арта. В его творчестве тоже присутствует поэзия вещей, но не в романтическом, а в критическом смысле. У Рогинского обычные вещи — это напоминание о серости и враждебности мира вообще и быта, устроенного людьми, в частности.