ШЕСТИДЕСЯТНИКИ

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Июнь 1989. 1989. Картон, гуашь. 79,7 × 50

Крупная гуашь одного из самых ярких художников неофициального искусства. Работа выполнена в первый год эмиграции. В 1988 году Штейнберг уехал в Германию, а вскоре осел во Франции. На последующие годы пришелся расцвет его геометрического периода — прямого диалога Штейнберга с Малевичем и развития идей супрематизма.

Июнь 1989 года, звучащий в названии, сложно назвать эпохальным месяцем в истории. Что там вспомнить? Союз писателей решился на публикацию Солженицына, в СССР шла перестройка, начинался парад суверенитетов. Впрочем, сложных аналогий и параллелей с творчеством искать не нужно. Для Штейнберга использование месяца в названии — это типичный прием, для простоты.

В СССР Штейнберг был близок к группе Сретенского бульвара, куда входили Кабаков, Булатов, Соостер, Янкилевский. Его первая резонансная выставка, разогнанная властями, состоялась в доме культуры в Тарусе в 1961 году. Позже Штейнберг участвовал в организованной Глезером громкой выставке в ДК Дружба 1967 года и в Павильоне «Пчеловодство» 1975 года на ВДНХ.

ВУЛОХ Игорь Александрович (1938–2012) Синий пейзаж — III. 2008. Холст, акрил. 90 × 70

Холст. Крупный. Выставочный. Опубликованный. Эффектный. Всё как мы любим.

«Синий пейзаж» — это пейзаж с рекой, один из любимых сюжетов Вулоха.

Картина участвовала в нескольких выставках, включая самую масштабную персоналку Вулоха в 2013 году в Московском музее современного искусства. В память о ней остался каталог, где «Синий пейзаж» опубликован на стр. 214.

Игорь Вулох — новатор абстрактного экспрессионизма, мастер медитативной условности. Художник орбиты неофициального искусства, он не входил в большие неформальные группы — ни в Лианозовскую, ни в группу Сретенского бульвара, ни в другие. Вулох был одиночкой. Его картины любил Костаки. Его друзьями были Зверев, Яковлев, Айги. Сегодня его работы находятся не только в музейных, но и в лучших частных собраниях неофициального искусства.

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Древо жизни. 1986. Холст, масло. 70 × 110

Древо жизни — это ключевой образ в иконографии Неизвестного. Вряд ли он напрямую имеет в виду древо вечной жизни из Эдемского сада. Для художника и скульптора это скорее собирательный философский образ — разговор о единении земли и неба, метафора бесконечности познания.

Сам художник в одном из интервью рассказывал о возникновении самой идеи в конце 1950-х годов: «Древо жизни возникло следующим образом. Это было очень тяжелое время. В Москве меня каким-то образом начали обвинять в ревизионизме, я даже тогда не знал, что это значит. Но, в общем, мне тогда надо было убраться, я смылся на Урал, к родителям, где работал на литейном заводе. Учился литью, был учеником, потом литейщиком. Ночью я отливал свои скульптуры из отходов металла, начальство мне это разрешило. Я, признаюсь, тогда был в отчаянии, будущее мне было неизвестно, меня даже преследовали мысли о самоубийстве. Ночью мне приснилось "Древо жизни". Это было сердце из семи витков. Я его зарисовал, и вдруг цель мне стала ясна: все мои работы станут частью этого сооружения». Работу над разными вариантами «Древа жизни» художник вел на протяжении всей жизни. Сегодня скульптуры «Древо жизни» установлены у штаб-квартиры ООН в Нью-Йорке и в Москве-Сити.

Эрнст Неизвестный — легенда 1960-х. Смельчак-фронтовик, на которого по ошибке была выписана похоронка. Он был едва ли не единственным, кто не испугался разъяренного Хрущёва в Манеже-62. Его послевоенные будни проходили в битвах с академическим болотом и «скульптурной мафией» за право творить и воплощать свои скульптуры в соответствии с масштабом замысла. После нескольких лет травли весной 1976 года Неизвестный эмигрировал и вскоре основал студию в США.

СОКОВ Леонид Петрович (1941–2018) Очки для каждого советского человека. 1978. Картон, гуашь. 22 × 35

Доэмиграционный Соков с Сотбиса, из собрания Ингрид Хаттон. 1978 год. Подписной. Еще не Sokov латиницей, а Соков кириллицей. Все это придает дополнительную ценность. Но важнее другое! Перед нами программная работа соц-арта. Не тактически-саркастичная «улыбнуться и забыть», а фундаментально-философская, стратегическая! В ней, по сути, сконцентрирована вся сущность соц-арта — критика лицемерного идеологизированного взгляда на мир. Вместо розовых очков на людей пытались напялить краснозвездные. Делать нечего: носили, кивали, многие даже крепко привыкли. Да вот только судьба их оказалась незавидной. Скинули и выкинули в один день. А те звезды остались лишь в исторической памяти, да в виде артефактов искусства.

В случае Сокова нужно обратить внимание на технику. Это оригинальная работа, не тираж. Очки вырезаны из картона, расписаны и подписаны автором. Дальнейшее — это уже владельческое оформление. Картон уложен на полимерную основу с золотистым отливом и укрыт под стекло в раме. Получилось удачно — вполне в духе Сокова.

Соков — мастер постмодернистской иронии. Его фирменный художественный прием — это абсурдистское сталкивание двух противоположностей. Все помнят его встречу памятников Ленина и фигуры Джакометти, а также странные ухаживания Сталина за Мэрилин. Соков уехал из СССР в 1979 году. Работал в Америке. В 2016-м его персональная выставка состоялась в Третьяковской галерее.

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Телега с сеном. 1989. Холст, масло. 80 × 100

И снова работа с Сотбиса. Впрочем, для этого автора не впервой. Картины Слепышева продавались аж на Сотбисе 1988 года в Москве — первом и последнем аукционе этого дома в нашей столице. «Телега с сеном» — парижский Слепышев, его типичная тема: сенокос, телега, лошаденка. Подпись и дата ТС 89 расположены в необычном месте, в правом верхнем углу. Т — потому что Толя, по-скромному.

Слепышев принадлежал к умеренному крылу нонконформистов. Он довольно рано стал членом Союза художников, выставлялся и в официальных залах, а не только на квартирных выставках. Для советских властей Слепышев был изгоем, но и ему часто доставалось из-за свободной выразительной манеры вне канона соцреализма. В советское время его чувственную обнаженку пытались снимать с выставок под предлогом «порнографичности». Впрочем, иногда те картины получалось и отстоять.

БОРУХ (Штейнберг Борис Аркадьевич, 1938–2003) Композиция. 1970. Дерево, металл, см. т. 80 × 50 × 4

Композиция 1970 года — образцовая многодельная работа Боруха, современный конструктивизм, безусловный музейный уровень. Борух считается одной из самых бескомпромиссных фигур неофициального искусства. Художник не боялся открыто водить дружбу с иностранцами, ходить на приемы в посольства, вызывающе тратил деньги, закатывал гулянки на теплоходах и пр. И при этом власти не могли найти на него управу. Ведь художник не ходил на службу, не работал в издательствах и на худкомбинатах.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Пас. 2014. Холст, акрил, коллаж, мел. 60 × 60

«Пас» по-французски означает конец игры или пропуск хода. У неазартного человека Владимира Немухина речь скорее всего идет о философской метафоре. Последняя карта брошена на стол — последнее слово сказано — и будь что будет. Владимир Немухин — художник Лианозовской группы, участник Бульдозерной выставки, ключевая фигура в русском неофициальном послевоенном искусстве.

СЕМИДЕСЯТНИКИ

НЕСТЕРОВА Наталья Игоревна (1944–2022) Дичь. 2017. Холст, масло. 51 × 61 (овал)

Наталья Нестерова не принадлежала к стану нонконформистов. «Амазонка левого МОСХа» не участвовала в запрещенных выставках. Но современники сразу заметили, что ее картины резко отличались от серой массы соцреалистической живописи. Нестерова работала в самобытной неопримитивистской манере. Ее живопись не претендует на сложную концептуальность. Наоборот, чаще всего она посвящена простым маленьким радостям — вкусной еде, хорошей погоде, приятным впечатлениям.